Definitionen af ​​form i art

Begrebet form kan betyde flere forskellige ting i kunsten. Form er en af ​​de syv elementer af kunst og tilslutter et tredimensionelt objekt i rummet. EN formel analyse af et kunstværk beskriver, hvordan elementernes og principperne i kunstværker sammen uafhængigt af deres betydning og de følelser eller tanker, de måtte fremkalde hos seeren. Endelig, form bruges også til at beskrive den fysiske natur af kunstværkerne, som i metalskulptur, et oljemaleri osv.

Når det bruges sammen med ordet kunst som i kunstform, kan det også betyde et medium med kunstnerisk udtryk, der anerkendes som kunst eller et ukonventionelt medium, der er gjort så godt, adroitly eller kreativt at hæve det til niveauet for kunst.

Form er et af de syv elementer i kunsten, som er de visuelle værktøjer, som en kunstner bruger til at komponere et kunstværk. For at danne dem inkluderer de også linje, form, værdi, farve, struktur, og plads. Som et element af kunst, form konnoterer noget, der er tredimensionelt og lukker volumen, der har længde, bredde og højde versus

Geometriske former er former, der er matematiske, præcise og kan benævnes som i de grundlæggende geometriske former: kugle, terning, pyramide, kegle og cylinder. En cirkel bliver en kugle i tre dimensioner, en firkant bliver en terning, en trekant bliver en pyramide eller kegle.

Geometriske former findes oftest i arkitektur og det byggede miljø, selvom du også kan find dem i sfærer af planeter og bobler og i det krystallinske mønster af snefnug, for eksempel.

Organiske former er dem, der er fritflydende, krøllede, svungne og ikke er symmetriske eller let målelige eller navngivne. De forekommer oftest i naturen, som i form af blomster, grene, blade, pytter, skyer, dyr, den menneskelige figur osv., men kan også findes i de spanske arkituts dristige og fantasifulde bygninger Antoni Gaudi (1852 til 1926) såvel som i mange skulpturer.

Form er mest knyttet til skulptur, da det er en tredimensionel kunst og traditionelt har bestået næsten primært af form, hvor farve og tekstur er underordnet. Tredimensionelle former kan ses fra mere end en side. Traditionelt kunne man se former fra alle sider, kaldet skulptur in-the-runde, eller i lettelse, de, hvori de skulpturerede elementer forbliver fastgjort til en solid baggrund, inklusive basrelief, haut-relief, og sunkne-relief. Historisk blev der lavet skulpturer i lighed med nogen for at ære en helt eller gud.

Det tyvende århundrede udvidede dog skulpturens betydning, dog med indbegrebet af åbne og lukkede former, og betydningen udvides stadig i dag. Skulpturer er ikke længere kun repræsentative, statiske, papirvarer, former med en solid uigennemsigtig masse, der er skåret ud af sten eller modelleret af bronze. Skulptur i dag kan være abstrakt, samlet fra forskellige genstande, kinetisk, ændre med tiden eller være lavet af ukonventionelle materialer som lys eller hologrammer, som i den berømte kunstners værk James Turrell.

Skulpturer kan karakteriseres i relative termer som lukkede eller åbne former. EN lukket formular har en lignende følelse som den traditionelle form for en solid uigennemsigtig masse. Selvom rum findes inden for formen, de er indeholdt og begrænset. En lukket form har et indadrettet fokus på selve formen, isoleret fra det omgivende rum. en åben form er gennemsigtig, afslører dens struktur og har derfor et mere flydende og dynamisk forhold til det omgivende rum. Negativt rum er en vigtig komponent og aktiveringskraft i en skulptur i åben form. Pablo Picasso (1881 til 1973), Alexander Calder (1898 til 1976), og Julio Gonzalez (1876 til 1942) er nogle kunstnere, der skabte skulpturer i åben form, lavet af tråd og andre materialer.

Henry Moore (1898 til 1986), den store engelske kunstner, der sammen med sin samtid, Barbara Hepworth (1903 til 1975) var de to vigtigste Britiske billedhuggere inden for moderne kunst revolutionerede begge skulpturer ved at være de første til at gennembore formen af ​​deres biomorfe (bio = liv, morfiske = form) skulpturer. Hun gjorde det i 1931, og han gjorde det i 1932 og bemærkede, at "selv plads kan have form", og at "et hul kan have så meget form som betydning som en solid masse."

I tegning og maleri formidles illusionen af ​​tredimensional form ved brug af belysning og skygger og gengivelse af værdi og tone. Form defineres af den ydre kontur af et objekt, og det er sådan, vi først opfatter det og begynder at give mening af det, men lys, værdi og skygge er med til at give en genstand form og kontekst i rummet, så vi fuldt ud kan identificere det.

For eksempel, hvis man antager en enkelt lyskilde på en kugle, er højdepunktet det, hvor lyskilden rammer direkte; mellemtonen er mellemværdien på kuglen, hvor lyset ikke rammer direkte; kerneskyggen er det område på kuglen, som lyset slet ikke rammer og er den mørkeste del af kuglen; den støbte skygge er det område på omgivende overflader, der er blokeret for lyset af genstanden; det reflekterede højdepunkt er lys, der reflekteres tilbage på objektet fra de omgivende genstande og overflader. Med disse retningslinjer for lys og skygge i tankerne kan enhver enkel form tegnes eller males for at skabe en illusion af en tredimensionel form.

Jo større kontrast i værdi, jo mere udtalt bliver den tredimensionelle form. Former, der gengives med lille variation i værdien, synes fladere end dem, der gengives med større variation og kontrast.

Historisk set har maleriet udviklet sig fra en flad repræsentation af form og rum til en tredimensionel repræsentation af form og rum, til abstraktion. Egyptisk maleri var fladt, med den menneskelige form præsenteret frontalt, men med hoved og fødder i profil. Den realistiske illusion af form forekom først i renæssancen sammen med opdagelsen af ​​perspektiv. Barokke kunstnere som Caravaggio (1571 til 1610) udforskede rummets, lysets og naturens natur tredimensionel oplevelse af rummet yderligere gennem brugen af ​​chiaroscuro, den stærke kontrast imellem lys og mørk. Skildringen af ​​den menneskelige form blev meget mere dynamisk med chiaroscuro og foreshortening, der gav formene en følelse af soliditet og vægt og skabte en stærk følelse af drama. Modernismen frigav kunstnere til at lege med formen mere abstrakt. Kunstnere som Picasso, med opfindelsen afkubisme, brød formen op for at antyde bevægelse gennem rum og tid.

Når man analyserer et kunstværk, er en formel analyse adskilt fra indholdet eller konteksten. En formel analyse betyder, at man anvender kunstens elementer og principper for at analysere værket visuelt. Den formelle analyse kan afsløre sammensætningsbeslutninger, der hjælper med at forstærke indhold, værkets essens, betydning og kunstnerens intention samt give ledetråde til historisk kontekst.

For eksempel følelser af mystik, ærefrygt og overskridelse, der fremkaldes fra nogle af de mest varige renæssance mesterværker, såsom Mona Lisa (Leonardo da Vinci, 1517), Oprettelsen af ​​Adam (Michelangelo, 1512), the Sidste aftensmad (Leonardo da Vinci, 1498) adskiller sig fra de formelle sammensætningselementer og principper såsom linje, farve, rum, form, kontrast, vægt osv., brugte kunstneren til at skabe maleriet, og som bidrager til dets betydning, virkning og tidløse kvalitet.

• Form, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• Kunsten at skulptur, Encyclopedia of Art, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• Livets hul, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• Barbara Hepworth vs Henry Moore, KulturVisker, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• Værker af Antoni Gaudi, http://whc.unesco.org/en/list/320
• Henry Moore Foundation, https://www.henry-moore.org
• Barbara Hepworth, https://barbarahepworth.org.uk
• James Turrell, http://jamesturrell.com

• Elements of Art: Form, Grade Level: 3-4, National Gallery of Art, https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• Form og form inden for kunst: Instruktionsprogram for karakter K-4, Lærervejledning, http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf