Lær om "The Red Studio" af Henri Matisse

Matisse får sin plads i maleriets tidslinje på grund af hans brug af farve. Han gjorde ting med farve, som ingen havde før, og påvirkede mange kunstnere, der fulgte. Matisse Red Studio er vigtig for dets brug af farve og dets flade perspektiv, hans ændring af virkeligheden og vores opfattelse af rummet.

Han malede det i 1911 efter sin eksponering for traditionel islamisk kunst under et besøg i Spanien, som påvirkede hans brug af mønster, dekoration og skildring af rummet. Red Studio bliver grupperet sammen med tre andre malerier, som Matisse gjorde det år - Malerenes familie, The Pink Studioog Interiør med auberginer - som stående "ved et korsvej for det vestlige maleri, hvor den klassiske udadvendte, overvejende repræsentative kunst fra fortiden mødte fremtidens foreløbige, internaliserede og selvhenvisende etos"1.

Elementerne Matisse inkluderede "synke deres individuelle identiteter ned i, hvad der blev en langvarig meditation på kunst og liv, rum, tid, opfattelse og selve virkelighedens natur.

"2 Eller udtrykt langt mere forenklet, han malede en personlig virkelighed, verden, som han opfattede og oplevede den, på en måde, der gav mening for ham.

Hvis du ser på hans tidligere malerier, som f.eks Harmony in Red, malet i 1908, vil du se Matisse arbejdede mod stilen i Red Studio, det dukkede ikke op fra ingenting.

Men perspektivet er alt forkert...

Matisse fik ikke perspektivet "forkert", han malede det, som han ønskede det. Han fladede perspektivet i rummet og ændrede det ud fra, hvordan vi opfatter perspektiv med vores øjne.

Spørgsmålet om at få perspektivet "rigtigt" gælder kun, hvis du prøver at male i en realistisk stil, det vil sige at skabe en illusion af virkelighed og dybde i et maleri. Hvis det ikke er dit mål, kan du ikke få perspektivet "forkert". Og det er ikke, at Matisse heller ikke vidste, hvordan man fik det "rigtigt"; han valgte bare ikke at gøre det på den måde.

Et maleri er i sidste ende en repræsentation eller et udtryk for noget genskabt i to dimensioner, det behøver ikke at gøre det som en illusion af tre dimensioner. Vestlige maleristilarter før renæssancen brugte ikke det, vi nu betragter som traditionelt perspektiv (f.eks. Gotisk). Kinesiske og japanske kunstformer har aldrig gjort det. Kubisme bryder bevidst perspektivet op og repræsenterer et enkelt objekt fra flere synspunkter.

Lad dig ikke narre til at tænke Red Studio er et helt fladt maleri eller stil. Der er stadig en følelse af dybde i rummet, skabt ved arrangementet af elementerne. For eksempel er der en linje til venstre, hvor gulv og væg mødes (1). Møblerne kan reduceres til konturer, men bordkanterne vinkler stadig ind, når de kommer længere væk (2), ligesom stolen (3) gør det. Malerierne bagpå er tydeligt støttet mod en væg (4), selvom der ikke er nogen adskillelse mellem side / bagvæggene (5) på den måde, der er mellem gulv og sidevæg. Men vi læser kanten af ​​det store maleri som værende i hjørnet alligevel.

Man kan endda sige, at hvert element i maleriet oplever perspektiv, men præsenteres som om kunstneren kun så det. Stolen er i topunktsperspektiv, bordet i et, vinduet er også forsænket til et forsvindingspunkt. De sidestilles, næsten en collage af forskellige synspunkter.

Et vildledende simpelt maleri

Jeg tror, ​​dette er et maleri med vildledende enkel komposition. Det ser ud til, at Matisse plunkede ting på lærredet ethvert gammelt sted, eller at han malede bordet først og derefter måtte fylde resten af ​​rummet med noget. Men se på, hvordan elementernes placering fører dit øje omkring maleriet.

På billedet har jeg markeret, hvad der er for mig de stærkeste retningslinjer, skubbet dit øje op fra bunden og tilbage fra kanterne, omkring og omkring for at tage alt sammen. Det er selvfølgelig muligt at se dette på andre måder, f.eks. Op til højre og derefter over til venstre. (Skønt den måde, du læser et maleri på, påvirkes af retningen, hvor du læser tekst.)

Overvej hvordan han har malet de forskellige elementer, der er reduceret til konturer og som får fremtrædende plads. Bemærk, at der ikke er nogen skygger, men der er et reflekteret højdepunkt på glasset. Skæv på maleriet for at se lysområderne tone mere tydeligt, og hvordan skabe en enhed i kompositionen.

Du kan ikke se det på billedet, men konturerne er ikke malet oven på det røde, men farverne under det røde viser igennem. (Hvis du arbejder i akvarel, skal du maske disse områder ud, og med akryl må du sandsynligvis male det oven i betragtning af hvor hurtigt de tørrer, men med olier kan du kradse gennem til den nederste farve, hvis laget var tørt.)

"Ikke alene oversvømmede Matisse sit billedrum med en flad, monokromatisk sø ved fuld mætning og oversvømmede studiets skrå vinkel; derudover behandlede han alt tredimensionelt som intet andet end indskrevne konturer. I mellemtiden er de eneste genstande, der er tilladt i fuld farve eller modellering, på tværs af konceptuelt flade i kraft af deres væren i sig selv flade - det er den cirkulære plade i forgrunden, og malerierne hængt på væggen eller stablet mod det."
- Daniel Wheeler, Kunst siden midten af ​​århundredet, p16.

Et selvbiografisk maleri

Elementerne i Red Studio inviter dig ind i Matisses verden. For mig læser den "tomme" bit i forgrunden som gulvplads, hvor jeg vil gå blandt de ting, der er i studiet. Elementerne danner en slags rede, hvor den kreative proces finder sted.

De afbildede malerier er alle af ham, ligesom skulpturerne (1 & 2). Læg mærke til kassen med blyanter eller trækul (3) på bordet og hans staffeli (4). Men hvorfor har uret ikke hænder (5)?

Beskriver Matisse den kreative proces? Tabellen fungerer som en beholder til idéerne om mad og drikke, natur og kunstnerens materialer; essensen af ​​en kunstners liv. Der er repræsentation af forskellige emner: portrætter, stilleben, landskab. Et vindue til belysning. Tidens gang betegnes både med uret og de indrammede / uindrammede (ufærdige?) Malerier. En sammenligning foretages med verdens tredimensionalitet med skulpturer og en vase. Endelig er der kontemplation, en stol placeret til at se kunsten.

Red Studio var oprindeligt ikke rød. I stedet for det "var oprindeligt et blågråt interiør, der svarede nærmere til det hvide i Matisses studie, som det faktisk var. Denne ret kraftfulde blågrå kan stadig ses selv med det blotte øje rundt om døgnet og under den tyndere maling på venstre side. Hvad der tvang Matisse til at omdanne sit studie med denne blændende røde er blevet drøftet: det er endda blevet foreslået at det blev stimuleret mest synligt af efterbillede af greener fra haven på en varm dag."
- John Gage, Farve og kultur p212.

I hende biografi (side 81) Hilary Spurling siger: "Besøgende i Issy [Matisse's Studio] fattede straks, at ingen havde set eller forestillet sig noget lignende før... [The Red Studio-maleriet] lignede et fritliggende vægsegment med rudimentære genstande, der flyder eller hænger op på det... Fra nu af (1911) malede han realiteter, der kun eksisterede i hans sind."

Det er ikke engang godt malet...

• "Det ser ud som om han ikke kunne beslutte sig for, hvor han skulle sætte tingene."
• "Det er bare en misforståelse af bits uden hensyntagen til kompositionsdesign."
• "Han kunne have portrætteret sine følelser over dette rum med sine stykker på en meget mere behagelig måde og måske ikke ville have været nødt til at forklare det."
• "Stykkerne er ikke engang malet godt."

Kommentarer som disse (fremsat på Painting Forum) rejser spørgsmålet: "Hvad definerer du som" godt malet "?" Har du brug for det for at være med realistiske, fine detaljer? Mener du malerisk hvor du tydeligt kan se, hvad det er, men der er også en fornemmelse af de maling / penselstrøg, der bruges til at skabe billedet? Kan det formidle en fornemmelse af en ting uden fine detaljer? Er en vis grad af abstraktion acceptabel?

I sidste ende kommer det ned til personlig præference, og vi er heldige at leve i en æra, hvor der findes så mange stilarter. Men kun maling af genstande, så de ligner realistiske repræsentationer af sig selv, begrænser i høj grad malingens potentiale efter min mening. Realisme er kun en maleristil. Det føles "rigtigt" for mange mennesker på grund af fotograferingens indflydelse, dvs. billedet ser nøjagtigt ud som det, det repræsenterer. Men det begrænser mediets potentiale (og fotografering for den sags skyld).

At vide, hvad du kan lide og ikke lide, er en del af at udvikle din egen stil. Men at afvise en kunstners arbejde uden at finde ud af, hvorfor du ikke kan lide det eller vide, hvorfor det betragtes som en Big Deal, er at lukke en potentiel opdagelsesvej. En del af at være maler er at være åben for muligheder, at eksperimentere blot for at se, hvor det kan føre dig. Uventede ting kan komme fra uventede kilder. Gang på gang får jeg e-mails fra folk, der har tacklet forskellige Maleriprojekter og sagde, at de aldrig havde gjort noget lignende før og var glædeligt overrasket over resultaterne. For eksempel: Det værre og finde frem til problemet!.

Jeg tror ikke, jeg nogensinde vil lide Matisses malerier

At lide en kunstners arbejde er ikke det samme som at forstå dets betydning inden for kunstens tidslinje. Vi er så vant til det "forkerte" perspektiv i dag, vi tænker ikke meget over det (uanset om vi kan lide det eller ej). Men på et eller andet tidspunkt var en kunstner den første til at gøre dette.

En del af påskønnelsen af Det røde studie kommer fra sammenhæng, hvor Matisse arbejdede, og konceptet, ikke kun det egentlige maleri. Et sammenligneligt eksempel ville være farvefeltmalerier af Rothko; det er svært at forestille sig en tid, hvor det var uden fortilfælde at dække et lærred med bare farve.

Hvem der bliver skrevet i bøgerne som en mester er et spørgsmål om mode og til en vis grad held, at være i rigtige steder eller gallerier på det rigtige tidspunkt, hvor akademikere og kuratorer undersøger og skriver om din arbejde. Matisse gennemgik en periode med at blive afskediget som kun dekorativ (og værre), men er blevet revurderet og fået en mere fremtrædende rolle. Nu betragtes han godt for sin enkelhed, hans brug af farve, sit design.