54 Berømte malerier lavet af berømte kunstnere

The best protection against click fraud.

At være en berømt kunstner i din levetid er ingen garanti for, at andre kunstnere husker dig. Har du hørt om den franske maler Ernest Meissonier?

Han var moderne med Edouard Manet og langt den mere succesrige kunstner med hensyn til kritikerrost og salg. Det omvendte er også sandt med Vincent van Gogh. Van Gogh stolede på sin bror, Theo, for at give ham maling og lærred, men i dag henter hans malerier rekordpriser, når de kommer op på en kunstauktion, og han er et husnavn.

At se på berømte malerier fra nutid og nutid kan lære dig mange ting, herunder komposition og håndtering af maling. Selvom det sandsynligvis den vigtigste lektion er, at du i sidste ende skal male for dig selv, ikke for et marked eller eftertiden.

"Night Watch" - Rembrandt

Natvagt - Rembrandt
"Night Watch" af Rembrandt. Olie på lærred. I samlingen af ​​Rijksmuseum i Amsterdam.Rijksmuseum / Amsterdam

Maleriet "Night Watch" af Rembrandt er i Rijksmuseum i Amsterdam. Som billedet viser, er det et kæmpe maleri: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt

instagram viewer
færdig i 1642. Dens sande titel er "The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch", men det er bedre kendt lige som Natvagt. (Et firma er en militsvagt).

Maleriets sammensætning var meget forskellig i perioden. I stedet for at vise figurerne pænt og ordentligt, hvor alle fik den samme fremtrædende plads og plads på lærredet, har Rembrandt malet dem som en travl gruppe i aktion.

Omkring 1715 blev der malet et skjold på "Night Watch" med navnene på 18 personer, men kun nogle af navnene var nogensinde blevet identificeret. (Så husk, hvis du maler et gruppeportræt: tegn et diagram på bagsiden for at gå med navnene på alle så fremtidige generationer vil vide!) I marts 2009 afslørede den hollandske historiker Bas Dudok van Heel endelig mysteriet om, hvem der er hvem i maleri. Hans forskning fandt endda tøj og tilbehør, der er afbildet i "Night Watch", der er nævnt i oversigter over familiens godser, som han derefter samlede med alderen for de forskellige militsfolk i 1642, det år maleriet var afsluttet.

Dudok van Heel opdagede også, at der i salen, hvor Rembrandts "Night Watch" først blev hængt, var der seks grupper portrætter af en milits, der oprindeligt blev vist i en sammenhængende serie, ikke seks separate malerier, som det længe har været tanke. Snarere dannede de seks gruppeportrætter af Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart og Flinck en ubrudt frise, der hver især matchede hinanden og fikseredes i rummets træpaneler. Eller det var meningen. Rembrandts "Night Watch" passer ikke sammen med de andre malerier i hverken komposition eller farve. Det ser ud til, at Rembrandt ikke overholdt vilkårene for hans kommission. Men så havde han aldrig haft dette påfaldende forskellige gruppeportræt fra det 17. århundrede.

"Hare" - Albrecht Dürer

Kanin eller hare - Albrecht Dürer
Albrecht Dürer, hare, 1502. Akvarel og gouache, pensel, forstærket med hvid gouache.Albertina Museum

Almindeligvis omtalt som Dürer's kanin, den officielle titel på dette maleri kalder det en hare. Maleriet er i den permanente samling af Batliner Collection af Albertina Museum i Wien, Østrig.

Det blev malet med akvarel og gouache, med de hvide højdepunkter udført i gouache (snarere end at være papirets umalet hvide).

Det er et spektakulært eksempel på, hvordan pels kan males. For at efterligne det afhænger den tilgang, du tager, af hvor meget tålmodighed du har. Hvis du har ædle, vil du male med en tynd børste, et hår ad gangen. Brug ellers en tørbørste-teknik eller del hårene på en børste. Tålmodighed og udholdenhed er afgørende. Arbejd for hurtigt på våd maling, og de enkelte strøg risikerer at blive blandet. Fortsæt ikke længe nok, og pelsen vil virke mager.

Loftfresco til det sixtinske kapel - Michelangelo

sixstinske Kapel
Set som en helhed er loftfresken i Det sixtinske kapel overvældende; der er simpelthen for meget at tage med, og det virker utænkeligt, at fresken er designet af en kunstner.Franco Origlia / Getty Images

Maleriet af Michelangelo af det sixtinske kapelloft er en af ​​de mest berømte fresker i verden.

Det sixtinske kapel er et stort kapel i det apostolske palads, pavens officielle opholdssted (lederen af ​​den katolske kirke) i Vatikanstaten. Det har mange fresker malet i det af nogle af de største navne på renæssancen, herunder vægfresker af Bernini og Raphael, men er alligevel mest berømt for freskerne i loftet af Michelangelo.

Michelangelo blev født den 6. marts 1475 og døde den 18. februar 1564. På bestilling af pave Julius II arbejdede Michelangelo pådet sixtinske kapelloft fra maj 1508 til oktober 1512 (der blev ikke udført arbejde mellem september 1510 og august 1511). Kapellet blev indviet den 1. november 1512 på festen for alle hellige.

Kapellet er 40,23 meter langt, 13,40 meter bredt og loftet 20,70 meter over jorden på sit højeste punkt1. Michelangelo malede en række bibelske scener, profeter og Kristi forfædre samt trompe l'oeil eller arkitektoniske træk. Loftets hovedområde skildrer historier fra historierne fra Første Mosebog, herunder skabelsen af ​​menneskeheden, menneskets fald fra nåde, oversvømmelsen og Noah.

Det sixtinske kapelloft: en detalje

Det sixtinske kapelloft - Michelangelo
Oprettelsen af ​​Adam er måske det mest kendte panel i det berømte Sixtinske Kapel. Bemærk, at kompositionen er uden for midten.Fotopress / Getty Images

Panelet, der viser skabelsen af ​​mennesket, er sandsynligvis den mest kendte scene i den berømte fresko af Michelangelo på loftet i Det sixtinske kapel.

Det sixtinske kapel i Vatikanet har mange fresker malet i det, men alligevel er det mest berømt for freskerne i loftet af Michelangelo. Omfattende restaurering blev udført mellem 1980 og 1994 af Vatikanets kunsteksperter, der fjernede århundreders røg fra stearinlys og tidligere restaureringsarbejde. Dette afslørede farver meget lysere end tidligere antaget.

Pigmenter Michelangelo anvendte inkluderet okker til røde og gule, jernsilikater til greener, lapis lazuli til blues og trækul til sort.1 Ikke alt er malet så meget detaljeret som det først vises. For eksempel er figurer i forgrunden malet mere detaljeret end dem i baggrunden, hvilket øger dybdefølelsen i loftet.

Mere om det sixtinske kapel:

• Vatikanmuseerne: Det sixtinske kapel
• Virtuel rundvisning i det sixtinske kapel

Kilder:
1 Vatikanmuseerne: Det sixtinske kapel, webstedet for Vatikanstaten, adgang til 9. september 2010.

Leonardo da Vinci notesbog

Leonardo da Vinci Notebook i V & A Museum i London
Denne lille notesbog af Leonardo da Vinci (officielt identificeret som Codex Forster III) er i V&A Museum i London.Marion Boddy-Evans / Licenseret til About.com, Inc.

Renæssancekunstneren Leonardo da Vinci er berømt ikke kun for sine malerier, men også for hans notesbøger. Dette billede viser en i V&A Museum i London.

V&A Museum i London har fem af Leonardo da Vincis notesbøger i sin samling. Denne, kendt som Codex Forster III, blev brugt af Leonardo da Vinci mellem 1490 og 1493, da han arbejdede i Milano for hertug Ludovico Sforza.

Det er en lille notesbog, den slags størrelse, du nemt kan opbevare i en frakkelomme. Den er fyldt med alle mulige ideer, noter og skitser, herunder "skitser af hestens ben, tegninger af hatte og tøj, der måske har været ideer til kostumer ved bolde, og en redegørelse for menneskets anatomi hoved."1 Selvom du ikke kan vende siderne på den bærbare computer på museet, kan du bladre igennem den online.

At læse hans håndskrift er ikke let mellem den kalligrafiske stil og hans brug af spejlskrivning (baglæns, fra højre til venstre), men nogle finder det fascinerende at se, hvordan han sætter alle slags i en notesbog. Det er en fungerende notesbog, ikke et showpiece. Hvis du nogensinde er bekymret for, at din kreativitetsdagbog var ikke på en eller anden måde korrekt udført eller organiseret, tag din ledelse fra denne mester: gør det som du har brug for.

Kilde:
1. Udforsk Forster Codices, V&A Museum. (Adgang til 8. august 2010.)

"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Mona Lisa - Leonardo da Vinci
"The Mona Lisa" af Leonardo da Vinci. Malet ca. 1503-19. Oliemaling på træ. Størrelse: 30x20 "(77x53cm). Dette berømte maleri er nu i Louvre-samlingen i Paris.Stuart Gregory / Getty Images

Leonardo Da VinciMaleriet "Mona Lisa" i Louvre i Paris er uden tvivl det mest berømte maleri i verden. Det er sandsynligvis også det mest kendte eksempel på sfumato, en maleteknik, der delvis er ansvarlig for hendes gådefulde smil.

Der har været en masse spekulationer om, hvem kvinden i maleriet var. Det menes at være et portræt af Lisa Gherardini, kone til en florentinsk tøjhandler ved navn Francesco del Giocondo. (Kunstforfatteren Vasari fra det 16. århundrede var blandt de første til at antyde dette i hans "Kunstnernes liv"). Det er også blevet foreslået, at årsagen til hendes smil var, at hun var gravid.

Kunsthistorikere ved det Leonardo var begyndt på "Mona Lisa" i 1503, da det blev registreret i det år af en højtstående florentinsk embedsmand, Agostino Vespucci. Når han er færdig, er det mindre sikkert. Louvre daterede oprindeligt maleriet til 1503-06, men opdagelser i 2012 antyder, at det måske har været så meget som et ti år senere, før den blev færdig baseret på baggrunden, der var baseret på en tegning af sten, han vides at have gjort i 1510-15.1 Louvre ændrede datoerne til 1503-19 i marts 2012.

Kilde:
1. Mona Lisa kunne have været afsluttet et årti senere end tænkt i The Art Newspaper, af Martin Bailey, 7. marts 2012 (adgang 10. marts 2012)

Berømte malere: Monet i Giverny

Monet
Monet sidder ved siden af ​​vandlondammen i sin have ved Giverny i Frankrig.Hulton Archive / Getty Images

Referencebilleder til maleri: Monets "Have i Giverny."

En del af grunden til, at den impressionistiske maler Claude Monet er så berømt, er hans malerier af refleksionerne i de liljedamme, han skabte i sin store have i Giverny. Det inspirerede i mange år lige indtil slutningen af ​​hans liv. Han skitserede ideer til malerier inspireret af damme, og han skabte små og store malerier både som individuelle værker og serier.

Claude Monets underskrift

Claude Monets underskrift
Claude Monets underskrift på hans Nympheas-maleri fra 1904.Bruno Vincent / Getty Images

Dette eksempel på, hvordan Monet underskrev sine malerier, er fra et af hans vandliljemalerier. Du kan se, at han har underskrevet det med et navn og efternavn (Claude Monet) og året (1904). Det er i nederste højre hjørne, langt nok, så det ikke bliver afskåret af rammen.

Monets fulde navn var Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Solopgang - Monet (1872)
"Impression Sunrise" af Monet (1872). Olie på lærred. Ca. 18x25 inches eller 48x63cm. I øjeblikket i Musée Marmottan Monet i Paris.Buyenlarge / Getty Images

Dette maleri af Monet gav navnet til impressionistisk stil af kunst. Han udstillede det i 1874 i Paris i det, der blev kendt som den første impressionistiske udstilling.

I sin anmeldelse af udstillingen, som han titlede "Udstilling af impressionister", sagde kunstkritikeren Louis Leroy:

"Baggrund i sin embryonale tilstand er mere færdig end det marinemaleri."

Kilde:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" af Louis Leroy, Le Charivari, 25. april 1874, Paris. Oversat af John Rewald i Impressionismens historie, Moma, 1946, p256-61; citeret i Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History af Bruce Altshuler, Phaidon, s42-43.

"Haystacks" -serien - Monet

Haystack Series - Monet - Art Institute of Chicago
En samling af berømte malerier, der inspirerer dig og udvider din kunstviden.Mysticchildz / Nadia / Flickr

Monet malede ofte en serie af det samme emne for at fange lysets skiftende effekter og skiftede lærred som dagen skred frem.

Monet malede mange emner igen og igen, men hver af hans seriemalerier er forskellige, hvad enten det er et maleri af en åkande eller en høstak. Da Monets malerier er spredt i samlinger rundt om i verden, er det normalt kun i specielle udstillinger, at hans seriemalerier ses som en gruppe. Heldigvis er Art Institute i Chicago har flere af Monets høstaksmalerier i sin samling, da de gør imponerende ser sammen:

  • Stak hvede
  • Tø, solnedgang
  • Solnedgang, sneeffekt
  • Sneeffekt, overskyet dag
  • Slutningen af ​​sommeren

I oktober 1890 skrev Monet et brev til kunstkritikeren Gustave Geffroy om høstakkserien, han malede, og sagde:

”Jeg er hård ved det og arbejder stædigt på en række forskellige effekter, men på denne tid af året går solen så hurtigt, at det er umuligt at følge med... jo længere jeg kommer, jo mere kan jeg se, at der skal gøres meget arbejde for at gengive det, jeg leder efter: 'øjeblikkelighed', 'konvolutten' frem for alt det samme lys spredt over alt... Jeg er i stigende grad besat af behovet for at gengive det, jeg oplever, og jeg beder om, at jeg får et par gode år mere tilbage til mig, fordi jeg tror, ​​jeg kan gøre nogle fremskridt i den retning... " 1

Kilde:
1. Monet af sig selv, s. 172, redigeret af Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.

"Vandliljer" - Claude Monet

Berømte malerier - Monet
Galleri med berømte malerier af berømte kunstnere.Foto: © davebluedevil (Kreative fællesheder Nogle rettigheder forbeholdes)

Claude Monet, "Vandliljer", c. 19140-17, olie på lærred. Størrelse 65 3/8 x 56 tommer (166,1 x 142,2 cm). I samlingen af Fine Arts Museums of San Francisco.

Monet er måske den mest berømte af impressionisterne, især for hans malerier af refleksionerne i liljedammen i hans Giverny-have. Dette bestemte maleri viser en lille smule sky i øverste højre hjørne og himmelens prikkede blues reflekteret i vandet.

Hvis du studerer fotos af Monets have, som denne af Monets liljedam og denne af liljeblomster, og sammenligner dem med dette maleri, vil du få en fornemmelse for, hvordan Monet reducerede detaljerne i sin kunst, kun med essensen af ​​scenen eller indtrykket af refleksion, vand og lilje blomst. Klik på linket "Vis fuld størrelse" under billedet ovenfor for en større version, hvor det er lettere at få en fornemmelse for Monets penselarbejde.

Den franske digter Paul Claudel sagde:

”Takket være vand er [Monet] blevet maleren af ​​det, vi ikke kan se. Han adresserer den usynlige åndelige overflade, der adskiller lys fra refleksion. Luftig azurblå fanget af flydende azurblå... Farve stiger fra bunden af ​​vandet i skyer, i boblebade. "

Kilde:
Side 262 Art of Our Century af Jean-Louis Ferrier og Yann Le Pichon

Camille Pissarros underskrift

Underskrift af den berømte impressionistiske kunstner Camille Pissarro
Underskrift af den impressionistiske kunstner Camille Pissarro på hans 1870-maleri "Landskab i nærheden af ​​Louveciennes (efterår)".Ian Waldie / Getty Images

Maleren Camille Pissarro har tendens til at være mindre kendt end mange af hans samtidige (såsom Monet), men har et unikt sted i kunstens tidslinje. Han arbejdede som både impressionist og neoimpressionist samt påvirkede nu berømte kunstnere som Cézanne, Van Gogh og Gauguin. Han var den eneste kunstner, der udstillede på alle otte af Impressionistiske udstillinger i Paris fra 1874 til 1886.

Van Gogh Selvportræt (1886/1887)

Van Gogh Selvportræt
Selvportræt af Vincent van Gogh (1886/1887). 41x32,5 cm, olie på kunstnerens bord, monteret på panel. I samlingen fra Art Institute of Chicago.Jimcchou / Flickr 

Det her portræt ved Vincent van Gogh er i samlingen fra Art Institute of Chicago. Det blev malet ved hjælp af en stil svarende til punktillisme, men klæber ikke kun til prikker.

I de to år, han boede i Paris, fra 1886 til 1888, malede Van Gogh 24 selvportrætter. Art Institute of Chicago beskrev denne som at anvende Seurats "dot-teknik" ikke som en videnskabelig metode, men som "en intens følelsesmæssigt sprog "hvor" de røde og grønne prikker er foruroligende og helt i tråd med den nervøse spænding, der er tydelig i van Goghs stirre."

I et brev et par år senere til sin søster, Wilhelmina, skrev Van Gogh:

"Jeg malede to billeder af mig selv for nylig, hvoraf det ene snarere har den sande karakter, tror jeg, skønt de i Holland sandsynligvis ville spotte ideerne om portrætmaleri, der spirer her... Jeg synes altid fotografier er afskyelige, og jeg kan ikke lide at have dem rundt, især ikke de af personer, jeg kender og elsker... fotografiske portrætter visner meget hurtigere end vi selv gør, mens det malede portræt er en ting, der mærkes, udført med kærlighed eller respekt for det menneske, der er portrætteret. "

Kilde:
Brev til Wilhelmina van Gogh, 19. september 1889

Vincent van Goghs underskrift

Vincent van Gogh underskrift på The Night Cafe
"The Night Cafe" af Vincent van Gogh (1888).Teresa Veramendi / Vincents gule

The Night Cafe af Van Gogh er nu i samlingen af ​​Yale University Art Gallery. Det er kendt, at Van Gogh kun underskrev de malerier, han var særlig tilfreds med, men hvad der er usædvanligt i tilfældet med dette maleri er, at han tilføjede en titel under sin underskrift, "Le café de Nuit."
Læg mærke til, at Van Gogh underskrev hans malerier blot "Vincent", ikke "Vincent van Gogh" eller "Van Gogh."

I et brev til sin bror Theo, skrevet den 24. marts 1888, sagde han:

"I fremtiden burde mit navn placeres i kataloget, når jeg underskriver det på lærredet, nemlig Vincent og ikke Van Gogh, af den enkle grund, at de ikke ved, hvordan man udtaler sidstnævnte navn her."

"Her" er Arles, i det sydlige Frankrig.
Hvis du har spekuleret på, hvordan du udtaler Van Gogh, skal du huske, at det er et hollandsk efternavn, ikke fransk eller engelsk. Så "Gogh" udtages, så den rimer med den skotske "loch". Det er ikke "goff" eller "go".

The Starry Night - Vincent van Gogh

The Starry Night - Vincent van Gogh
The Starry Night af Vincent van Gogh (1889). Olie på lærred, 73,7x92,1 cm, 29x36 1/4 ". I samlingen af ​​Moma, New York.Jean-Francois Richard

Dette maleri, som muligvis er det mest berømte maleri af Vincent van Gogh, er i samlingen på Museum for moderne kunst i New York.
Van Gogh malede Den stjerneklare nat i juni 1889 efter at have nævnt morgenstjernen i et brev til sin bror Theo skrevet omkring den 2. juni 1889: "I morges så landet fra mit vindue længe før solopgang med intet andet end morgenstjernen, der så meget stor ud. "Morgenstjernen (faktisk planeten Venus, ikke en stjerne) anses generelt for at være den store hvide malede lige til venstre for midten af ​​maleriet.
Tidligere breve fra Van Goghs nævner også stjernerne og nattehimlen og hans ønske om at male dem:

1. "Hvornår skal jeg nogensinde komme til at udføre stjernehimlen, det billede der altid er i mit sind?" (Brev til Emile Bernard, ca. 18 juni 1888)
2. "Med hensyn til stjernehimlen håber jeg meget på at male den, og måske vil jeg en af ​​disse dage" (Brev til Theo van Gogh, ca. 26. september 1888).
3. "I øjeblikket vil jeg absolut male en stjernehimmel. Det forekommer mig ofte, at natten stadig er mere farvet end dagen; har nuancer af de mest intense violer, blues og greener. Hvis du kun er opmærksom på det, vil du se, at visse stjerner er citrongule, andre lyserøde eller en grøn, blå og glem-mig-ikke-glans... det er åbenlyst, at det ikke er nok at sætte små hvide prikker på den blå-sorte til at male en stjernehimmel. "(Brev til Wilhelmina van Gogh, 16. september 1888)

Restaurant de la Sirene i Asnieres - Vincent van Gogh

"Restaurant de la Sirene i Asnieres" - Vincent van Gogh
"Restaurant de la Sirene, ved Asnieres" af Vincent van Gogh.Marion Boddy-Evans (2007) / Licenseret til About.com, Inc.

Dette maleri af Vincent van Gogh er i samlingen af ​​Ashmolean Museum i Oxford, Storbritannien. Van Gogh malede det kort efter, at han ankom i Paris i 1887 for at bo hos sin bror Theo i Montmartre, hvor Theo ledede et kunstgalleri.
For første gang blev Vincent udsat for malerierne fra impressionisterne (især Monet) og mødte kunstnere som Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard og Pissarro. Sammenlignet med hans tidligere arbejde, der var domineret af mørke jordfarver, der er typiske for nordeuropæiske malere som Rembrandt, viser dette maleri disse kunstneres indflydelse på ham.
De farver, han brugte, er blevet lysere og lysere, og hans penselarbejde er blevet løsere og tydeligere. Se på disse detaljer fra maleriet, og du vil se, hvordan han har brugt små streger af ren farve, adskilt. Han blander ikke farver på lærredet, men lader dette ske i betragteren. Han prøver det brudt farve Impressionisternes tilgang.
Sammenlignet med hans senere malerier er farvestrimlerne adskilt med en neutral baggrund, der vises imellem dem. Han dækker endnu ikke hele lærredet med mættet farve eller udnytter mulighederne for at bruge pensler til at skabe tekstur i selve malingen.

Restaurant de la Sirene, på Asnieres af Vincent van Gogh (Detalje)

Vincent van Gogh (Ashmolean Museum)
Detaljer fra "Restaurant de la Sirene, ved Asnieres" af Vincent van Gogh (olie på lærred, Ashmolean Museum).Marion Boddy-Evans (2007) / Licenseret til About.com, Inc.

Disse detaljer fra Van Goghs maleri Restaurant de la Sirene på Asnieres (i Ashmolean Museums samling) viser, hvordan han eksperimenterede med sit penselarbejde og penselmærker efter eksponering for malerierne fra impressionisterne og andre moderne parisere kunstnere.

"Fire dansere" - Edgar Degas

"Fire dansere" - Edgar Degas
MikeandKim / Flickr

Edgar Degas, Four Dancers, ca. 1899. Olie på lærred. Størrelse 59 1/2 x 71 tommer (151,1 x 180,2 cm). I National Gallery of Art, Washington.

"Portræt af kunstnerens mor" - Whistler

Maleri af Whistlers mor
"Arrangement i grå og sort nr. 1, portræt af kunstnerens mor" af James Abbott McNeill Whistler (1834-1903). 1871. 144,3x162,5 cm. Olie på lærred. I samlingen af ​​Musee d'Orsay, Paris.Bill Pugliano / Getty Images / Musee d'Orsay / Paris / Frankrig

Dette er muligvis Whistlers mest berømte maleri. Dens fulde titel er "Arrangement i grå og sort nr. 1, portræt af kunstnerens mor". Hans mor indvilligede i at stille op til maleriet, da modellen Whistler havde brugt, blev syg. Han bad hende oprindeligt om at stille sig stående, men som du kan se, gav han efter og lod hende sidde ned.
På væggen er et ætsning af Whistler, "Black Lion Wharf." Hvis du ser meget omhyggeligt på gardinet øverst til venstre af ætsningens ramme, vil du se et lysere udtvær, det er sommerfuglesymbolet, som Whistler brugte til at underskrive sine malerier. Symbolet var ikke altid det samme, men det ændrede sig, og dets form bruges til at datere hans illustrationer. Det vides, at han var begyndt at bruge det i 1869.

"Hope II" - Gustav Klimt

"Hope II" - Gustav Klimt
"Hope II" - Gustav Klimt.Jessica Jeanne / Flickr
"Den, der ønsker at vide noget om mig - som kunstner, den eneste bemærkelsesværdige ting - burde se nøje på mine billeder og prøve at se i dem, hvad jeg er, og hvad jeg vil gøre." Klimt.

Gustav Klimt malede Hope II på lærred i 1907/8 ved hjælp af olie maling, guld og platin. Den er 110,5 x 110,5 cm (43,5x43,5 "). Maleriet er en del af samlingen af Museum for moderne kunst i New York.
Hope II er et smukt eksempel på Klimts brug af guldblad i malerier og hans rige dekorative stil. Se på den måde, hvorpå han malede tøjet på hovedfiguren, hvordan det er en abstrakt form dekoreret med cirkler, men vi læser det stadig som en kappe eller kjole. Hvordan i bunden smelter det ind i de tre andre ansigter.
I sin illustrerede biografi om Klimt sagde kunstkritiker Frank Whitford:

Klimt "påførte ægte guld- og sølvblad for yderligere at øge indtrykket af, at maleriet er et værdifuldt objekt, ikke eksternt et spejl, hvor man kan se naturen, men en omhyggeligt udformet artefakt. " 2

Det er en symbolik, der stadig betragtes som gyldig i dag, da guld stadig betragtes som en værdifuld vare.
Klimt boede i Wien i Østrig og hentede sin inspiration mere fra Østen end Vesten fra "sådanne kilder som Byzantinsk kunst, mykensk metalarbejde, persiske tæpper og miniaturer, mosaikkerne fra Ravenna-kirkerne og japansk skærme. " 3
Kilde:
1. Kunstnere i kontekst: Gustav Klimt af Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), bagcover.
2. Ibid. s82.
3. MoMA-højdepunkter (Museum of Modern Art, New York, 2004), s. 54

Picassos underskrift

Picassos underskrift
Picassos underskrift på hans 1903-maleri "Portrait of Angel Fernandez de Soto" (eller "The Absinthe Drinker").Oli Scarff / Getty Images

Dette er underskrift af Picasso på sit maleri fra 1903 (fra hans blå periode) med titlen "Absintdrikkeren."
Picasso eksperimenterede med forskellige forkortede versioner af hans navn som hans malerisignatur, herunder cirklede initialer, inden de satte på "Pablo Picasso." I dag hører vi generelt henvist til ham som simpelthen "Picasso."

Hans fulde navn var: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.

Kilde:
1. "En sum af ødelæggelser: Picassos kulturer og skabelsen af ​​kubisme" af Natasha Staller. Yale University Press. Side s209.

"Absintdrikkeren" - Picasso

"Absintdrikkeren" - Picasso
Picassos maleri fra 1903 "Portræt af Angel Fernandez de Soto" (eller "Absintdrikkeren").Oli Scarff / Getty Images

Dette maleri blev skabt af Picasso i 1903 under hans blå periode (en tid, hvor blåtoner dominerede Picassos malerier; da han var i tyverne). Det indeholder kunstneren Angel Fernandez de Soto, som var mere begejstret for at feste og drikke end hans maleri1, og som delte et studie med Picasso i Barcelona ved to lejligheder.
Maleriet blev sat på auktion i juni 2010 af Andrew Lloyd Webber Foundation, efter at der var opnået en udenretslig løsning i USA om ejerskab, efter påstand fra efterkommere af den tysk-jødiske bankmand Paul von Mendelssohn-Bartholdy om, at maleriet havde været under tvang i 1930'erne under nazistregimet i Tyskland.

Kilde:
1. Christies auktionshus pressemeddelelse, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece", 17. marts 2010.

"Tragedien" - Picasso

"Tragedien" - Picasso
"Tragedien" - Picasso.MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, Tragedien, 1903. Olie på træ. Størrelse 41 7/16 x 27 3/16 tommer (105,3 x 69 cm). I National Gallery of Art, Washington.

Det er fra hans blå periode, hvor hans malerier, som navnet antyder, alle var domineret af blues.

Skitse af Picasso til hans berømte "Guernica" -maleri

Picasso skitse til hans maleri Guernica
Picassos skitse til sit maleri "Guernica."Gotor / Cover / Getty Images

Mens han planlagde og arbejdede med sit enorme maleri Guernica, lavede Picasso mange skitser og undersøgelser. Billedet viser en af ​​hans sammensætning skitser, som i sig selv ikke ligner meget, en samling af kratstræk.

I stedet for at forsøge at dechiffrere, hvad de forskellige ting kan være, og hvor det er i det endelige maleri, skal du tænke på det som Picasso-stenografi. Enkel mærkning for billeder, han havde i tankerne. Fokuser på, hvordan han bruger dette til at beslutte, hvor elementerne skal placeres i maleriet, på interaktionen mellem disse elementer.

"Guernica" - Picasso

"Guernica" - Picasso
"Guernica" - Picasso.Bruce Bennett / Getty Images

Dette berømte maleri af Picasso er enormt: 11 fod 6 tommer høj og 25 fod 8 tommer bred (3,5 x 7,76 meter). Picasso malede det på bestilling til den spanske pavillon på verdensmessen 1937 i Paris. Det er i Museo Reina Sofia i Madrid, Spanien.

"Portrait de Mr Minguell" - Picasso

Picasso Portrætmaleri af Minguell Fra 1901
"Portrait de Mr Minguell" af Pablo Picasso (1901). Oliemaling på papir lagt på lærred. Størrelse: 52x31,5 cm (20 1/2 x 12 3 / 8in).Oli Scarff / Getty Images

Picasso lavede dette portrætmaleri i 1901, da han var 20. Emnet en catalansk skrædder, Mr. Minguell, som det antages, Picasso blev introduceret til af sin kunsthandler og ven Pedro Manach1. Stilen viser den uddannelse Picasso havde i traditionelt maleri, og hvor langt hans maleristil udviklede sig i løbet af sin karriere. At det er malet på papir er et tegn på, at det blev gjort på et tidspunkt, hvor Picasso var brudt og endnu ikke tjente nok penge fra sin kunst til at male på lærred.

Picasso gav Minguell maleriet som en gave, men købte det senere tilbage og havde det stadig, da han døde i 1973. Maleriet blev sat på lærred og sandsynligvis også restaureret under Picassos vejledning "engang før 1969"2, da den blev fotograferet til en bog af Christian Zervos om Picasso.

Næste gang du er i et af disse middagsfest-argumenter om, hvordan alle ikke-realistiske malere kun maler abstrakt, kubistisk, fauvist, impressionist, vælg din stil, fordi de ikke kan lave "rigtige malerier", spørg personen, om de sætter Picasso i denne kategori (de fleste gør), og nævn derefter dette maleri.

Kilde:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Salgsoplysninger Impressionistisk og moderne kunst salg 22. juni 2010. (Adgang til 3. juni 2010.)

"Dora Maar" eller "Tête De Femme" - Picasso

"Dora Maar" eller "Tête De Femme" - Picasso
"Dora Maar" eller "Tête De Femme" - Picasso.Peter Macdiarmid / Getty Images

Da det blev solgt på auktion i juni 2008, blev dette maleri af Picasso solgt for £ 7.881.250 (US $ 15.509.512). Auktionsoverslaget havde været tre til fem millioner pund.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso
Les Demoiselles d'Avignon af Pablo Picasso, 1907. Olie på lærred, 8 x 7 '8 "(244 x 234 cm). Museum of Modern Art (Moma) New York.Davina DeVries / Flickr 

Dette enorme maleri (næsten otte kvadratfod) af Picasso indvarsles som et af de vigtigste dele af moderne kunst, der nogensinde er skabt, hvis ikke det vigtigst, et afgørende maleri i udviklingen af ​​moderne kunst. Maleriet skildrer fem kvinder - prostituerede i et bordel - men der er meget debat om, hvad det hele betyder, og alle referencer og indflydelser i det.
Kunstkritiker Jonathan Jones1 siger:

"Hvad der ramte Picasso ved afrikanske masker [tydeligt i ansigterne på figurerne til højre] var mest åbenlyse ting: at de forklæder dig, gør dig til noget andet - et dyr, en dæmon, en Gud. Modernisme er en kunst, der bærer en maske. Det siger ikke, hvad det betyder; det er ikke et vindue, men en mur. Picasso valgte sit emne netop fordi det var en kliche: han ønskede at vise, at originalitet i kunsten ikke ligger i fortælling eller moral, men i formel opfindelse. Derfor er det vildledt at se Les Demoiselles d'Avignon som et maleri 'om' bordeller, prostituerede eller kolonialisme. "

Kilde:
1. Pablo's Punks af Jonathan Jones, The Guardian9. januar 2007.

"Kvinde med guitar" - Georges Braque

"Kvinde med guitar" - Georges Braque
"Kvinde med guitar" - Georges Braque.Independentman / Flickr

Georges Braque, Kvinde med guitar, 1913. Olie og trækul på lærred. 51 1/4 x 28 3/4 tommer (130 x 73 cm). I Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.

The Red Studio - Henri Matisse

The Red Studio - Henri Matisse
The Red Studio - Henri Matisse.Liane / Lil'bear / Flickr

Dette maleri er i samlingen af Museum for moderne kunst (Moma) i New York. Det viser det indre af Matisses malerstudio med fladt perspektiv eller et enkelt billedplan. Vægge i hans studie var faktisk ikke røde, de var hvide; han brugte rødt i sit maleri for effekt.
Udstillet i hans atelier er forskellige af hans kunstværker og bidder af studiemøbler. Konturerne af møblerne i hans studie er linjer i malingen, der afslører farve fra et lavere, gult og blåt lag, ikke malet oven på det røde.

1. "Vinklede linjer antyder dybde, og det blågrønne lys i vinduet forstærker følelsen af ​​det indre rum, men det røde vidder flader billedet. Matisse forstærker denne effekt ved f.eks. At udelade den lodrette linje i hjørnet af rummet. "
- MoMA Highlights, udgivet af Moma, 2004, side 77.
2. "Alle elementerne... synke deres individuelle identiteter i, hvad der blev en langvarig meditation på kunst og liv, rum, tid, opfattelse og selve virkeligheden... et vejkryds for det vestlige maleri, hvor den klassiske udadvendte, overvejende repræsentative kunst fra fortiden mødte fremtidens foreløbige, internaliserede og selvhenvisende etos... "
- Hilary Spurling,, side 81.

Dansen - Henri Matisse

Matisse dansermalerier
Galleri med berømte malerier af berømte kunstnere "Dansen" af Henri Matisse (øverst) og den olieskitse, han lavede for det (nederst).Billeder © Cate Gillon (øverst) og Sean Gallup (nederst) / Getty Images

Det øverste foto viser Matisses færdige maleri med titlen Dansen, afsluttet i 1910 og nu i State Hermitage Museum i Skt. Petersborg, Rusland. Det nederste billede viser det kompositionsstudie i fuld størrelse, han lavede til maleriet, nu i MOMA i New York, USA. Matisse malede det på bestilling af den russiske kunstsamler Sergei Shchukin.
Det er et kæmpe maleri, næsten fire meter bredt og to og en halv meter højt (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") og er malet med en palet begrænset til tre farver: rød, grøn og blå. Jeg synes, det er et maleri, der viser, hvorfor Matisse har et så godt ry som en farvelægger, især når man sammenligner undersøgelsen med det endelige maleri med sine glødende figurer.
I sin biografi om Matisse (på side 30) siger Hilary Spurling:

"De, der så den første version af Dans beskrev det som bleg, delikat, endda drømmeagtig, malet i farver, der blev forstærket... i den anden version i en hård, flad frise af vermilionfigurer, der vibrerer mod bånd af lysegrøn og himmel. Samtidige så maleriet som hedensk og dionysisk. "

Bemærk det flade perspektiv, hvordan figurerne er af samme størrelse snarere end dem, der er længere væk fra at være mindre, som det ville forekomme i perspektiv eller forkortet for repræsentative malerier. Hvordan linjen mellem det blå og grønne bag figurerne er buet og ekko figurens cirkel.

"Overfladen blev farvet til mætning, til det punkt, hvor blå, ideen om absolut blå, var endeligt til stede. En lysegrøn til jorden og en levende vermilion til legemerne. Med disse tre farver havde jeg min harmoni mellem lys og også renhed i tone. "- Matisse

Kilde:
"Introduktion til From Russian-udstillingen for lærere og studerende" af Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008.

Berømte malere: Willem de Kooning

Willem de Kooning
Willem de Kooning maleri i sit studie i Easthampton, Long Island, New York, i 1967.Ben Van Meerondonk / Hulton Archive / Getty Images

Maleren Willem de Kooning blev født i Rotterdam i Holland den 24. august 1904 og døde i Long Island, New York, den 19. marts 1997. De Kooning var i lære hos kommerciel kunst og udsmykningsfirma, da han var 12 og deltog i aftenundervisning på Rotterdam Academy of Fine Arts and Techniques i otte år. Han emigrerede til USA i 1926 og begyndte at male på fuld tid i 1936.

De Koonings maleristil var abstrakt ekspressionisme. Han havde sin første separatudstilling i Charles Egan Gallery i New York i 1948 med et stykke arbejde i sort-hvid emaljemaling. (Han begyndte at bruge emaljemaling, da han ikke havde råd til kunstnerens pigmenter.) I 1950'erne blev han anerkendt som en af ​​lederne af abstrakt ekspressionisme, skønt nogle purister af stilen troede, at hans malerier (f.eks hans Kvinde serier) inkluderet inkluderer for meget af den menneskelige form.

Hans malerier indeholder mange lag, elementer overlappede og skjulte, da han omarbejdede og omarbejdede et maleri. Ændringer er tilladt at vise. Han tegnede i vid udstrækning sine lærred i trækul til den indledende komposition og mens han maler. Hans penselarbejde er gestikulært, udtryksfuldt, vildt med en følelse af energi bag slagene. De sidste malerier ser ud, men var ikke.

De Koonings kunstneriske produktion strakte sig over næsten syv årtier og omfattede malerier, skulpturer, tegninger og tryk. Hans sidste malerier Kilde i slutningen af ​​1980'erne. Hans mest berømte malerier er Pink Angels (c. 1945), Udgravning (1950) og hans tredje Kvinde serie (1950-53) udført i en mere malerisk stil og improvisationsmæssig tilgang. I 1940'erne arbejdede han samtidigt i abstrakte og repræsentative stilarter. Hans gennembrud kom med hans sort-hvide abstrakte kompositioner fra 1948–49. I midten af ​​1950'erne malede han de urbane abstraktioner og vendte tilbage til figuration i 1960'erne og derefter til de store gesturale abstraktioner i 1970'erne. I 1980'erne skiftede de Kooning til at arbejde på glatte overflader og glaserede med lyse, gennemsigtige farver over fragmenter af gestikaltegninger.

Amerikansk gotik - Grant Wood

Amerikansk gotik - Grant Wood
Kurator Jane Milosch på Smithsonian American Art Museum sammen med det berømte maleri af Grant Wood kaldet "American Gothic". Maleriets størrelse: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 in). Olie maling på Beaver Board.Shealah Craighead / Det Hvide Hus / Getty Images

Amerikansk gotisk er sandsynligvis den mest berømte af alle de malerier, den amerikanske kunstner Grant Wood nogensinde har oprettet. Det er nu i Art Institute of Chicago.

Grant Wood malede "American Gothic" i 1930. Det skildrer en mand og hans datter (ikke hans kone1stående foran deres hus. Grant så bygningen, der inspirerede maleriet i Eldon, Iowa. Den arkitektoniske stil er amerikansk gotisk, hvor maleriet får sin titel. Modellerne til maleriet var Woods søster og deres tandlæge.2. Maleriet er underskrevet nær bundkanten på mandens overalls med kunstnerens navn og året (Grant Wood 1930).

Hvad betyder maleriet? Wood havde til hensigt, at det skulle være en værdig gengivelse af Midwestern-amerikanernes karakter og vise deres puritanske etik. Men det kunne betragtes som en kommentar (satire) om landbefolkningens intolerance over for udenforstående. Symbolikken i maleriet inkluderer hårdt arbejde (pitchfork) og husholdning (blomsterpotter og forklæde i kolonitryk). Hvis du kigger nøje, vil du se de tre stifter af højgafflen genklang i sømmen på mandens overall og fortsætter op ad striberne på hans skjorte.

Kilde:
Amerikansk gotisk, Art Institute of Chicago, hentet 23. marts 2011.

"Krist af Johannes af korset" - Salvador Dali

Christ of St John of the Cross af Salvador Dali, samling af Kelvingrove Art Gallery, Glasgow.
Christ of St John of the Cross af Salvador Dali, samling af Kelvingrove Art Gallery, Glasgow.Jeff J Mitchell / Getty Images

Dette maleri af Salvador Dali er i samlingen af Kelvingrove kunstgalleri og museum i Glasgow, Skotland. Det blev først vist på galleriet den 23. juni 1952. Maleriet blev købt for £ 8.200, hvilket blev betragtet som en høj pris, selvom det indeholdt ophavsretten, som har gjort det muligt for galleriet at optjene reproduktionsgebyrer (og sælge utallige postkort!).
Det var usædvanligt, at Dali solgte ophavsretten til et maleri, men han havde brug for pengene. (Ophavsretten forbliver hos kunstneren, medmindre den er underskrevet, se Ofte stillede spørgsmål om kunstnerens ophavsret.)

"Tilsyneladende i økonomiske vanskeligheder bad Dali oprindeligt om £ 12.000, men efter nogle hårde forhandlinger... han solgte den for næsten en tredjedel mindre og underskrev et brev til byen [Glasgow] i 1952 og afstod copyright.

Maleriets titel er en henvisning til tegningen, der inspirerede Dali. Pen- og blæktegningen blev udført efter en vision, som Johannes Johannes af korset (en spansk karmeliter, 1542–1591) havde, hvori han så Kristi korsfæstelse som om han så på den ovenfra. Kompositionen er slående for sit usædvanlige synspunkt på Kristi korsfæstelse, belysningen er dramatisk og stærk skyggerog stor brug af forkortelse i figuren. Landskabet i bunden af ​​maleriet er havnen i Dalis hjemby, Port Lligat i Spanien.
Maleriet har været kontroversielt på mange måder: det beløb, der blev betalt for det; emnet stilen (som syntes retro snarere end moderne). Læs mere om maleriet på galleriets hjemmeside.

Kilde:
"Surrealistisk sag om Dali-billederne og en kamp om kunstnerisk licens"af Severin Carrell, The Guardian27. januar 2009

Campbells suppe dåser - Andy Warhol

Andy Warhols suppeformede malerier
Andy Warhols suppeformede malerier.© Tjeerd Wiersma / Flickr

Detalje fra Andy Warhol Campbells suppe dåser. Akryl på lærred. 32 malerier hver 20x16 "(50,8x40,6cm). I samlingen af Museum for moderne kunst (MoMA) i New York.
Warhol udstillede først sin serie af Campbells suppe-malerier i 1962, hvor bunden af ​​hvert maleri hvilede på en hylde som en dåse i et supermarked. Der er 32 malerier i serien, antallet af suppesorter solgt på det tidspunkt af Campbell's.
Hvis du havde forestillet dig Warhol, der lagrede sit spisekammer med suppe, spiste du en dåse, da han var færdig med at male, det ser det ikke ud til. Ifølge Moma's hjemmeside brugte Warhol en produktliste fra Campbell til at tildele hvert maleri en anden smag.
Da han blev spurgt om det, sagde Warhol:

”Jeg plejede at drikke det. Jeg plejede at have den samme frokost hver dag i tyve år, antager jeg, den samme ting igen og igen. "1

Warhol havde tilsyneladende ikke en ordre, han ville have malerierne vist i. Moma viser malerierne "i rækker, der afspejler den kronologiske rækkefølge, hvor [supperne] blev introduceret, begyndende med 'Tomat' øverst til venstre, som debuterede i 1897."

Så hvis du maler en serie og vil have dem vist i en bestemt rækkefølge, skal du sørge for at notere dette et eller andet sted. Lærredets bagkant er sandsynligvis den bedste, da den ikke bliver adskilt fra maleriet (selvom det måske bliver skjult, hvis malerierne er indrammet).
Warhol er en kunstner, der ofte bliver nævnt af malere, der ønsker at lave afledte værker. To ting er værd at bemærke, før man gør lignende ting:

  1. Momas hjemmeside, der er en indikation af en licens fra Campbell's Soup Co (dvs. en licensaftale mellem suppefirmaet og kunstnerens ejendom).
  2. Håndhævelse af ophavsretten synes at have været mindre af et problem i Warhols tid. Foretag ikke antagelser om ophavsret baseret på Warhols arbejde. Foretag din forskning og beslut dig for, hvad dit niveau er bekymret for en mulig sag om krænkelse af ophavsretten.

Campbell bestilte ikke Warhol til at lave malerierne (selvom de efterfølgende bestilte en til en pensionerende bestyrelsesformand i 1964) og havde bekymringer, da mærket dukkede op i Warhols malerier i 1962 og vedtog en vent-og-se-tilgang til at bedømme, hvad svaret var på malerier. I 2004, 2006 og 2012 solgte Campbell's dåser med specielle Warhol-mindesmærker.

Kilde:
1. Som citeret den Moma, adgang 31. august 2012.

Større træer nær Warter - David Hockney

David Hockney Større træer nær Warter
David Hockney Større træer nær Warter.Øverst: Dan Kitwood / Getty Images. Nederst: Foto af Bruno Vincent / Getty Images

Top: Kunstner David Hockney stod sammen med en del af sit oliemaleri "Bigger Trees Near Warter", som han donerede til Tate Britain i april 2008.
Bund: Maleriet blev først udstillet i sommerudstillingen i 2007 på Royal Academy i London og tog hele væggen op.
David Hockneys oliemaleri "Bigger Trees Near Warter" (også kaldet Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) skildrer en scene nær Bridlington i Yorkshire. Maleriet lavet af 50 lærred arrangeret ved siden af ​​hinanden. Samlet set er maleriets samlede størrelse 4,6x12 meter (40x15 fod).
På det tidspunkt, hvor Hockney malede det, var det det største stykke, han nogensinde havde afsluttet, men ikke det første, han havde oprettet ved hjælp af flere lærred.

" Jeg gjorde dette, fordi jeg indså, at jeg kunne gøre det uden en stige. Når du maler, skal du være i stand til at træde tilbage. Der er kunstnere, der er blevet dræbt, der træder tilbage fra stiger, ikke?"
- Hockney citeret i a Reuter nyhedsrapport, 7. april 2008.

Hockney brugte tegninger og en computer til at hjælpe med kompositionen og maleriet. Efter at en sektion var afsluttet, blev der taget et foto, så han kunne se hele maleriet på computeren.

"Først skitserede Hockney et gitter, der viste, hvordan scenen ville passe sammen over 50 paneler. Derefter begyndte han at arbejde på individuelle paneler in situ. Da han arbejdede på dem, blev de fotograferet og lavet til en computermosaik, så han kunne kortlægge sine fremskridt, da han kun kunne have seks paneler på væggen ad gangen. "

Kilde:
Charlotte Higgins, Værge kunstkorrespondent, Hockney donerer stort arbejde til Tate7. april 2008.

Henry Moores krigsmalerier

Henry Moore krigsmaleri
Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension af Henry Moore 1941. Blæk, akvarel, voks og blyant på papir.Tate © gengivet med tilladelse fra Henry Moore Foundation

Det Henry Moore udstilling på Tate Britain Gallery i London løb fra 24. februar til 8. august 2010.

Den britiske kunstner Henry Moore er mest berømt for sine skulpturer, men også kendt for sin blæk, voks og akvarelmalerier af mennesker, der læger sig i Londons undergrundsstationer under anden verdenskrig. Moore var en officiel krigskunstner og i 2010 Henry Moore udstilling på Tate Britain Gallery har et rum dedikeret til disse. Lavet mellem efteråret 1940 og sommeren 1941, skildrede hans skildringer af sovende figurer i toget tunneler fanget en følelse af kval, der forvandlede hans omdømme og påvirkede den populære opfattelse af Blitz. Hans arbejde i 1950'erne afspejlede kølvandet på krigen og udsigten til yderligere konflikt.
Moore blev født i Yorkshire og studerede på Leeds School of Art i 1919 efter at have tjent i første verdenskrig. I 1921 vandt han et stipendium til Royal College i London. Han underviste senere på Royal College samt i Chelsea School of Art. Fra 1940 boede Moore i Perry Green i Hertfordshire, der nu er hjemsted for Henry Moore Foundation. På Venedigbiennalen i 1948 vandt Moore International Sculpture Award.

"Frank" - Chuck Close

"Frank" - Chuck Close
"Frank" - Chuck Close.Tim Wilson / Flickr

"Frank" af Chuck Close, 1969. Akryl på lærred. Størrelse 108 x 84 x 3 tommer (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). I Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud Selvportræt og Fotoportræt

Lucian Freud Selvportrætmaleri
Til venstre: "Selvportræt: Refleksion" af Lucian Freud (2002) 26x20 "(66x50,8cm). Olie på lærred. Til højre: Fotoportræt taget i december 2007.Scott Wintrow / Getty Images

Kunstneren Lucian Freud er kendt for sit intense, utilgivende blik, men som dette selvportræt viser, vender han det mod sig selv, ikke kun hans modeller.

1. "Jeg synes, et godt portræt har at gøre med... følelsen og individualiteten og intensiteten af ​​hensynet og fokus på det specifikke. " 1
2. "... du bliver nødt til at prøve at male dig selv som en anden person. Med selvportrætter bliver 'lighed' en anden ting. Jeg er nødt til at gøre hvad jeg føler uden at være en expressionist. " 2


Kilde:
1. Lucian Freud, citeret i Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud citeret i Lucian Freud af William Feaver (Tate Publishing, London 2002), s.43.

"Faren til Mona Lisa" - Man Ray

"The Father Of Mona Lisa" af Man Ray
"The Father Of Mona Lisa" af Man Ray.Neologisme / Flickr

"The Father Of Mona Lisa" af Man Ray, 1967. Reproduktion af tegning monteret på fiberplade med tilsat cigar. Størrelse 18 x 13 5/8 x 2 5/8 tommer (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). I samlingen af Hirshorn Museum.
Mange mennesker forbinder kun Man Ray med fotografering, men han var også kunstner og maler. Han var ven med kunstneren Marcel Duchamp og arbejdede i samarbejde med ham.
I maj 1999 Kunstnyheder Magasinet inkluderede Man Ray på deres liste over de 25 mest indflydelsesrige kunstnere i det 20. århundrede for hans fotografering og "udforskning af film, maleri, skulptur, collage, montage. Disse prototyper vil i sidste ende blive kaldt performancekunst og konceptuel kunst. "

Art News sagde:

"Man Ray tilbød kunstnere i alle medier et eksempel på kreativ intelligens, der i sin 'forfølgelse af glæde og frihed' [Man Rays erklærede vejledning principper] låste op for hver dør, den kom til, og gik frit, hvor den ville. "(Citat Kilde: Art News, maj 1999," Willful Provocateur "af AD Coleman.)

Dette stykke, "The Father of Mona Lisa", viser, hvordan en relativt enkel idé kan være effektiv. Den hårde del kommer med ideen i første omgang; nogle gange kommer de som et glimt af inspiration; undertiden som en del af brainstorming af ideer; nogle gange ved at udvikle og forfølge et koncept eller en tanke.

Berømte malere: Yves Klein

Yves Klein
 Charles Wilp / Smithsonian Institution / Hirshhorn Museum

Tilbagevirkende kraft: Yves Klein-udstilling på Hirshhorn Museum i Washington, USA, fra 20. maj 2010 til 12. september 2010.

Kunstneren Yves Klein er sandsynligvis mest berømt for sine monokromatiske kunstværker med sin specielle blå farve (se f.eks. "Levende pensel"). IKB eller International Klein Blue er en ultramarinblå, som han formulerede.

Klein kaldte sig selv "maleren af ​​rummet" og forsøgte at opnå immateriel spiritualitet gennem ren farve "og beskæftigede sig med" nutidige forestillinger om kunstens konceptuelle natur "1.

Klein havde en relativt kort karriere, mindre end ti år. Hans første offentlige arbejde var en kunstnerbog Yves Peintures ("Yves Paintings"), udgivet i 1954. Hans første offentlige udstilling var i 1955. Han døde af et hjerteanfald i 1962, 34 år gammel. (Tidslinje for Kleins liv fra Yves Klein-arkiver.)

Kilde:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, adgang til 13. maj 2010.

"Levende pensel" - Yves Klein

"Levende pensel" - Yves Klein
Untitled (ANT154) af Yves Klein. Pigment og syntetisk harpiks på papir, på lærred. 102x70in (259x178cm). I samlingen af ​​San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA).David Marwick / Flickr

Dette maleri af den franske kunstner Yves Klein (1928-1962) er en af ​​de serier, han brugte "levende pensler." Han dækkede nøgne kvindemodeller med sin signaturblå maling (International Klein Blue, IKB) og derefter i et stykke performancekunst foran et publikum "malet" med dem på store ark papir ved at dirigere dem verbalt.
Titlen "ANT154" stammer fra en kommentar fra en kunstkritiker, Pierre Restany, der beskriver malerier produceret som "antropometrier fra den blå periode." Klein brugte akronymet ANT som en serie titel.

Sort maleri - Ad Reinhardt

Ad Reinhardts sorte maleri
Ad Reinhardts sorte maleri.Amy Sia / Flickr
"Der er noget galt, uansvarligt og tankeløst ved farve; noget umuligt at kontrollere. Kontrol og rationalitet er en del af min moral. " - Ad Reinhard i 1960 1

Dette monokrome maleri af den amerikanske kunstner Ad Reinhardt (1913-1967) er på Museum of Modern Art (Moma) i New York. Det er 60x60 "(152,4x152,4cm), olie på lærred, og er malet 1960-61. I det sidste årti og lidt af sit liv (han døde i 1967) brugte Reinhardt bare sort i sine malerier.
Amy Sia, der tog billedet, siger, at indlederen påpeger, hvordan maleriet er opdelt i ni firkanter, hver med en anden nuance af sort.
Bare rolig, hvis du ikke kan se det på billedet. Det er svært at se, selv når du er foran maleriet. I hende essay om Reinhardt for Guggenheim beskriver Nancy Spector Reinhardts lærred som "dæmpede sorte firkanter indeholdende knap mærkbare korsformer [der] udfordrer grænserne for synlighed" 2.
Kilde:
1. Farve i Art af John Gage, s. 205
2. Reinhardt af Nancy Spector, Guggenheim Museum (Adgang til 5. august 2013)

John Virtue's London Painting

John Virtue's Painting
Hvid akrylmaling, sort blæk og shellak på lærred. I samlingen af ​​National Gallery i London.Jacob Appelbaum / Flickr

Den britiske kunstner John Virtue har malet abstrakte landskaber med kun sort / hvid siden 1978. På en DVD produceret af London National Gallery siger Virtue at arbejde i sort / hvid tvinger ham "til at være opfindsomme... at genopfinde." Eschewing farve "uddybes min fornemmelse af, hvilken farve der er... Følelsen af, hvad jeg faktisk ser... er bedst og mere præcist og mere formidlet ved ikke at have en palet med olie maling. Farven ville være en blindgyde. "
Dette er et af John Virtues London-malerier, lavet mens han var associeret kunstner på National Gallery (fra 2003 til 2005). Det Nationalgalleriets hjemmeside beskriver Virtues malerier som "affiniteter med orientalsk penselmaleri og amerikansk abstrakt ekspressionisme" og nært knyttet til "den store engelske landskabsmalere, Turner og Constable, som Virtue beundrer enormt "såvel som at blive påvirket af de" hollandske og flamske landskaber i Ruisdael, Koninck og Rubens ".
Dyd giver ikke titler på hans malerier, bare tal. I et interview i april 2005 - udgaven af Kunstnere og illustratorer magasin, Virtue siger, at han begyndte at nummerere sit arbejde kronologisk tilbage i 1978, da han begyndte at arbejde i sort / hvid:

"Der er intet hierarki. Det betyder ikke noget, om det er 28 fod eller tre inches. Det er en ikke-verbal dagbog om min eksistens. "

Hans malerier kaldes blot "Landskab nr. 45" eller "Landskab nr. 630" og så videre.

Kunstbakken - Michael Landy

Michael Landy Art Bin-udstilling på South London Gallery
Fotos af udstillinger og berømte malerier for at udvide din kunstviden. Fotos fra "The Art Bin" en udstilling af Michael Landy i South London Gallery. Top: At stå ved siden af ​​skraldespanden giver virkelig en følelse af skala. Nederst til venstre: En del af kunsten i skraldespanden. Nederst til højre: Et tungt indrammet maleri ved at blive skraldespand.Foto © 2010 Marion Boddy-Evans. Licenseret til About.com, Inc.

Art Bin-udstillingen af ​​kunstner Michael Landy fandt sted på South London Gallery fra 29. januar til 14. marts 2010. Konceptet er enormt (600m3) affaldsspand indbygget i gallerirummet, hvor kunst smides væk, "et monument til kreativ fiasko"1.
Men ikke bare enhver gammel kunst; du var nødt til at ansøge om at smide din kunst i skraldespanden, enten online eller i galleriet, hvor Michael Landy eller en af ​​hans repræsentanter besluttede, om det kunne medtages eller ej. Hvis det blev accepteret, blev det kastet i skraldespanden fra et tårn i den ene ende.

Da jeg var på udstillingen, blev flere stykker kastet ind, og den person, der kastede, havde haft masser af øvelse fra den måde, han var i stand til at få et maleri til at glide lige til den anden side af beholder.
Kunstfortolkningen går ned ad stien til hvornår / hvorfor kunst betragtes som god (eller affald), subjektiviteten i værdi tilskrevet kunst, kunstsamling, kunstsamlers og galleriers magt til at skabe eller bryde kunstnerens karriere.

Det var bestemt interessant at gå langs siderne og se på, hvad der var blevet kastet ind, hvad der var brudt (masser af polystyrenstykker), og hvad der ikke havde gjort (de fleste malerier på lærred var hele). Et eller andet sted i bunden var der et stort kranietryk dekoreret med glas af Damien Hirst og et stykke af Tracey Emin. I sidste ende, hvad der kunne være, ville blive genanvendt (for eksempel papir- og lærredstrækere) og resten bestemt til deponering. Begravet som affald, sandsynligvis ikke gravet op i århundreder af nu af en arkæolog.

Kilde:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), South London Gallery-websted, adgang til 13. marts 2010.

Barack Obama - Shepard Fairey

Barack Obama - Shepard Fairey
"Barack Obama" af Shepard Fairey (2008). Stencil, collage og akryl på papir. 60x44 tommer. National Portrait Gallery, Washington DC. Gave fra Heather og Tony Podesta Collection til ære for Mary K Podesta.Shepard Fairey / ObeyGiant.com

Dette maleri af amerikansk politiker Barack Obama, blandet medie stencileret collage, blev skabt af Los Angeles-baserede gadekunstner, Shepard Fairey. Det var det centrale portrætbillede, der blev brugt i Obamas præsidentvalgskampagne i 2008 og distribueret som en begrænset udgave og gratis download. Det er nu i National Portrait Gallery i Washington DC.

1. ”For at skabe sin Obama-plakat (som han gjorde på mindre end en uge), greb Fairey et nyhedsfoto af kandidaten fra Internettet. Han søgte en Obama, der så ud som præsident... Kunstneren forenklede derefter linjerne og geometrien ved hjælp af en rød, hvid og blå patriotisk palet (som han leger med ved at gøre den hvide til en beige og den blå til en pastelfarve)... fed skrift ord ...
2. "Hans Obama-plakater (og masser af hans kommercielle og kunstværker) er bearbejdning af teknikkerne til revolutionære propagandister - de lyse farver, fed skrift, geometrisk enkelhed, heroiske udgør. "

Kilde: ​
"Obamas påtegning på væggen" af William Booth, Washington Post 18. maj 2008.

"Requiem, hvide roser og sommerfugle" - Damien Hirst

Damien Hirst No Love Lost Oil Paintings på Wallace Collection
"Requiem, White Roses and Butterflies" af Damien Hirst (2008). 1500 x 2300 mm. Olie på lærred. Hilsen Damien Hirst og The Wallace Collection.Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst

Den britiske kunstner Damien Hirst er mest berømt for sine dyr, der er bevaret i formaldehyd, men i sine tidlige 40'ere vendte han tilbage til oliemaleri. I oktober 2009 udstillede han malerier oprettet mellem 2006 og 2008 for første gang i London. Dette et eksempel på et endnu ikke berømt maleri af en berømt kunstner kommer fra hans udstilling på Wallace Collection i London med titlen "No Love Lost." (Datoer: 12. oktober 2009 til 24. januar 2010.)
BBC nyheder citerede Hirst for at sige.

"Han maler nu kun i hånden", at hans "malerier i to år var pinlige, og jeg ville ikke have det nogen til at komme ind. "og at han" måtte lære at male igen for første gang siden han var teenagekunst studerende."1

Pressemeddelelsen, der ledsagede Wallace-udstillingen, sagde:

"'Blå malerier' vidner om en dristig ny retning i hans arbejde; en række malerier, der med kunstnerens ord er 'dybt forbundet med fortiden'. "

At lægge maling på lærred er bestemt en ny retning for Hirst, og hvor Hirst går, vil kunststuderende sandsynligvis følge. Oliemaleri kunne blive trendy igen.
About.com's guide til London Travel, Laura Porter, gik til pressevisningen af ​​Hirsts udstilling og fik et svar på det ene spørgsmål, som jeg gerne ville vide: Hvilke blå pigmenter brugte han?

Laura fik at vide, at det var "Preussisk blå for alle undtagen et af de 25 malerier, der er sorte. ”Ikke underligt, det er sådan en mørk, ulmende blå!
Kunstkritiker Adrian Searle fra The Guardian var ikke særlig gunstig over Hirsts malerier:

”I værste fald ser Hirsts tegning bare amatørmæssig og ungdommelig ud. Hans penselarbejde mangler den oomph og panache, der får dig til at tro på malerenes løgne. Han kan endnu ikke udføre det. "2

Kilde:
1 Hirst 'giver op syltede dyr', BBC News, 1. oktober 2009
2. "Damien Hirsts malerier er dødbringende kedelige, "Adrian Searle, Værge14. oktober 2009.

Berømte kunstnere: Antony Gormley

Berømte kunstnere Antony Gormley, skaberen af ​​Nordens Engel
Kunstner Antony Gormley (i forgrunden) på den første dag i hans fjerde sokkelinstallationskunst på Trafalgar Square i London.Jim Dyson / Getty Images

Antony Gormley er en britisk kunstner, der måske er mest berømt for sin skulptur Angel of the North, afsløret i 1998. Det står i Tyneside, det nordøstlige England, på et sted, der engang var et hus, der byder dig velkommen med sine 54 meter brede vinger.
I juli 2009 så Gormleys installationskunst på den fjerde sokkel på Trafalgar Square i London en frivillig stående i en time på soklen 24 timer i døgnet i 100 dage. I modsætning til de andre sokler på Trafalgar Square har den fjerde sokkel lige uden for National Gallery ikke en permanent statue på den. Nogle af deltagerne var kunstnere selv og skitserede deres usædvanlige synspunkt (foto).
Antony Gormley blev født i 1950 i London. Han studerede på forskellige colleges i Storbritannien og buddhismen til Indien og Sri Lanka, inden han fokuserede på skulptur på Slade School of Art i London mellem 1977 og 1979. Hans første separatudstilling var på Whitechapel Art Gallery i 1981. I 1994 vandt Gormley Turnerprisen med sin "Field for the British Isles".
Hans biografi om hans internet side siger:

... Antony Gormley har genoplivet det menneskelige image i skulpturen gennem en radikal undersøgelse af kroppen som et sted for hukommelse og transformation ved hjælp af sin egen krop som subjekt, værktøj og materiale. Siden 1990 har han udvidet sin bekymring med den menneskelige tilstand for at udforske den kollektive krop og forholdet mellem mig selv og andre i store installationer ...

Gormley skaber ikke den type figur, han gør, fordi han ikke kan lave statuer i traditionel stil. Snarere glæder han sig over forskellen og evnen de giver os til at fortolke dem. I et interview med Tiderne1, han sagde:

"Traditionelle statuer handler ikke om potentiale, men om noget, der allerede er komplet. De har en moralsk autoritet, der er undertrykkende snarere end samarbejdsvillig. Mine værker anerkender deres tomhed. "

Kilde:
Antony Gormley, den mand, der brød formen af ​​John-Paul Flintoff, The Times, 2. marts 2008.

Berømte moderne britiske malere

Moderne malere
Moderne malere.Peter Macdiarmid / Getty Images

Fra venstre mod højre kunstnerne Bob og Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeog Alison Watt.
Anledningen var en visning af maleriet Diana og Actaeon af Titian (uset, til venstre) på National Gallery i London med det formål at skaffe midler til at købe maleriet til galleriet.

Berømte kunstnere: Lee Krasner og Jackson Pollock

Lee Krasner og Jackson Pollock
Lee Krasner og Jackson Pollock i East Hampton, ca. 1946. Foto 10x7 cm. Jackson Pollock og Lee Krasner papirer, ca. 1905-1984. Archives of American Art, Smithsonian Institution.Ronald Stein / Jackson Pollock og Lee Krasner Papers

Af disse to malere, Jackson Pollock er mere berømt end Lee Krasner, men uden hendes støtte og promovering af sit kunstværk har han muligvis ikke pladsen i den tidslinje, han gør. Begge malet i en abstrakt expressionistisk stil. Krasner kæmpede for kritisk anerkendelse i sig selv snarere end blot at blive betragtet som Pollocks kone. Krasner efterlod en arv for at etablere Pollock-Krasner Foundation, der giver tilskud til billedkunstnere.

Ladder Easel of Louis Aston Knight

Louis Aston Knight og His Ladder Easel
Louis Aston Knight og hans stiger staffeli. c.1890 (Uidentificeret fotograf. Sort-hvid fotografisk tryk. Dimensioner: 18cmx13cm. Samling: Charles Scribner's Sons Art Reference Department Records, ca. 1865-1957).Archives of American Art / Smithsonian Institution

Louis Aston Knight (1873-1948) var en amerikansk kunstner, der var født i Paris, kendt for sine landskabsmalerier. Han trænede oprindeligt under sin kunstnerfar, Daniel Ridgway Knight. Han udstillede på den franske salon for første gang i 1894 og fortsatte med at gøre det gennem hele sit liv, samtidig med at han også fik anerkendelse i Amerika. Hans maleri Efterglød blev købt i 1922 af USAs præsident Warren Harding til Det Hvide Hus.
Dette billede fra Archives of American Artdesværre giver os ikke en placering, men du er nødt til at tro, at enhver kunstner, der er villig til at vade ind vandet med sin staffel-stige og maling var enten meget dedikeret til at observere naturen eller helt showman.

1897: En kvindekunstklasse

William Merritt Chase Art Class
En kvindekunstklasse med instruktør William Merritt Chase.Archives of American Art / Smithsonian Institution.

Dette billede fra 1897 fra Archives of American Art viser en kvindekunstklasse med instruktør William Merritt Chase. I den æra deltog mænd og kvinder i kunstundervisning hver for sig, hvor kvinder på grund af tiden var heldige nok til overhovedet at kunne få en kunstuddannelse.

Art Summer School ca. 1900

Summer Art School i 1900
Summer Art School i 1900.Archives of American Art / Smithsonian Institute

Kunststuderende ved St Paul School of Fine Arts sommerklasser, Mendota, Minnesota, blev fotograferet omkring 1900 med lærer Burt Harwood.
Mode til side, store sunhats er meget praktiske til maleri udendørs da det holder solen ude af øjnene og stopper dit ansigt med at blive solbrændt (ligesom en langærmet top gør).

"Nelsons skib i en flaske" - Yinka Shonibar

Nelsons skib i en flaske på den fjerde sokkel på Trafalgar Square - Yinka Shonibar
Nelsons skib i en flaske på den fjerde sokkel på Trafalgar Square af Yinka Shonibar.Dan Kitwood / Getty Images

Nogle gange er det et værksteds skala, der giver det dramatisk indflydelse, langt mere end emnet. "Nelson's Ship in a Bottle" af Yinka Shonibar er sådan et stykke.

"Nelson's Ship in a Bottle" af Yinka Shonibar er et skib på 2,35 meter højt inde i en endnu højere flaske. Det er en replika af skalaen 1:29 af viceadmiral Nelsons flagskib, HMS Sejr.
"Nelsons skib i en flaske" dukkede op på den fjerde sokkel på Trafalgar Square i London den 24. maj 2010. Den fjerde sokkel stod tom fra 1841 indtil 1999, da den første af en igangværende serie af samtidskunstværker, bestilt specielt til soklen af Fjerde sagsbestillingsgruppe.
Kunstværket før "Nelson's Ship in a Bottle" var One & Other af Antony Gormley, hvor en anden person stod på soklen i en time døgnet rundt i 100 dage.
Fra 2005 til 2007 kunne du se en skulptur af Marc Quinn, Alison Lapper gravid, og fra november 2007 var det model for et hotel 2007 af Thomas Schutte.
Batikdesignene på sejlene fra "Nelson's Ship in a Bottle" blev håndtrykt af kunstneren på lærred, inspireret af stof fra Afrika og dets historie. Flasken er 5x2,8 meter, lavet af perspex og ikke glas, og flaskeåbningen er stor nok til at klatre inde for at konstruere skibet.

Format

mlaapachicago

Din henvisning

Boddy-Evans, Marion. "54 Berømte malerier lavet af berømte kunstnere." ThoughtCo, mar. 18, 2021, thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Boddy-Evans, Marion. (2021, 18. marts). 54 Berømte malerier lavet af berømte kunstnere. Hentet fra https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Boddy-Evans, Marion. "54 Berømte malerier lavet af berømte kunstnere." ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (adgang 29. marts 2021).

ThoughtCo bruger cookies til at give dig en god brugeroplevelse. Ved at bruge ThoughtCo accepterer du vores

instagram story viewer