En hurtig rundvisning i kunsten gennem tiderne

Tag dine fornuftige sko på, når vi går i gang med en ekstremt forkortet kunstture gennem tiderne. Formålet med dette stykke er at ramme højdepunkterne og give dig det mest basale på de forskellige epoker i kunsthistorien.

Ældste stenalder folk var strengt jæger-samlere, og livet var hårdt. Mennesker lavede et gigantisk spring i abstrakt tænkning og begyndte at skabe kunst i løbet af denne tid. Emnet koncentreres om to ting: mad og nødvendigheden af ​​at skabe flere mennesker.

Isen begyndte at trække sig tilbage, og livet blev lidt lettere. Det Mesolitisk periode (som varede længere i Nordeuropa end det gjorde i Mellemøsten) så maleriet flytte ud af hulerne og ud på klipper. Maleri blev også mere symbolsk og abstrakt.

Hurtig frem til Neolitisk alder, komplet med landbrug og husdyr. Nu, hvor mad var mere rig, havde folk tid til at opfinde nyttige værktøjer som skrivning og måling. Måledelen skal være kommet godt med for megalith-bygherrer.

Det skal bemærkes, at "stenalder" -kunst fortsatte med at blomstre rundt i verden for en række kulturer, helt frem til i dag. "Etnografisk" er et praktisk udtryk, der her betyder: "At ikke gå som den vestlige kunst."

"Landet mellem floderne" så et utroligt antal kulturer stige til - og falde fra - magten. Det Sumererne gav os ziggurats, templer og masser af guder skulpturer. Vigtigere er det, at de forenede naturlige og formelle elementer i kunsten. Det akkadierne introducerede sejrstolen, hvis udskæringer for evigt minder os om deres dygtighed i kamp. Det babylonierne forbedret på stelen ved at bruge den til at registrere den første ensartede lovkode. Det assyrerne løb vild med arkitektur og skulptur, både i lettelse og i runden. Til sidst var det persere der satte hele området - og dets kunst - på kortet, da de erobrede tilstødende lande.

Kunst i det gamle Egypten var kunst for de døde. Egypterne byggede grave, pyramider (detaljerede grave) og Sfinxen (også en grav) og dekorerede dem med farverige billeder af guderne, som de troede regerede i efterlivet.

Det minoiske kultur på Kreta og Mycenaeans i Grækenland bragte os fresker, åben og luftig arkitektur og marmorafguder.

Grækerne introducerede humanistisk uddannelse, hvilket afspejles i deres kunst. Keramik, maleri, arkitektur og skulptur udviklede sig til detaljerede, stærkt udformede og dekorerede genstande, der priste den største skabelse af alle: mennesker.

På den italienske halvø omfavnede etruskerne regionen Bronzealder på en stor måde, der producerer skulpturer, der er bemærkelsesværdige til at være stiliserede, dekorative og fulde af underforstået bevægelse. De var også entusiastiske producenter af grave og sarkofager, ikke i modsætning til egypterne.

Da de steg frem, forsøgte romerne først at udslette Etruskisk kunst, efterfulgt af adskillige angreb på Græsk kunst. Ved at låne frit fra disse to erobrede kulturer skabte romerne deres egen stil, en som i stigende grad stod for strøm. Arkitektur blev monumental, skulpturer skildrede omdøbte guder, gudinder og fremtrædende borgere, og i maleriet blev landskabet introduceret, og fresker blev enorme.

Tidlig kristen kunst indgår i to kategorier: den i forfølgelsesperioden (indtil år 323) og den, der kom efter Konstantin den store anerkendt kristendom: anerkendelsesperioden. Den første er primært kendt for konstruktion af katakomber og bærbar kunst, der kunne være skjult. Den anden periode er præget af den aktive konstruktion af kirker, mosaikker og fremkomsten af ​​bookmaking. Skulptur blev kun nedlagt til værker til lettelse - alt andet ville have været betragtet som "udskårne billeder".

Ikke en pludselig overgang, som datoerne antyder, adskiltes den byzantinske stil gradvist fra den tidlige kristne kunst, ligesom østkirken voksede længere væk fra den vestlige. Byzantinsk kunst er kendetegnet ved at være mere abstrakt og symbolsk og mindre optaget af enhver form for dybde - eller tyngdekraften - som fremgår af malerier eller mosaikker. Arkitektur blev ret kompliceret og kupler dominerede.

I dag er islamisk kunst kendt for at være meget dekorativ. Dens motiver oversættes smukt fra en chalice til et tæppe til Alhambra. Islam har forbud mod afgudsdyrkelse, så vi har lidt billedhistorie som et resultat.

Disse år var ret kaotiske i Europa, da barbariske stammer søgte (og søgte og søgte) steder at bosætte sig. Hyppige krige udbrød, og konstant etnisk flytning var normen. Kunst i denne periode var nødvendigvis lille og bærbar, normalt i form af dekorative stifter eller armbånd. Den lysende undtagelse fra denne "mørke" tidsalder inden for kunst forekom i Irland, som havde den store formue at undslippe invasionen. For en tid.

Charlemagne byggede et imperium, der ikke overgik hans knebende og udugelige barnebarn, men den kulturelle genoplivning, som imperiet gød ud, viste sig at være mere holdbar. Klostre blev små byer, hvor manuskripter blev masseproduceret. Guldsmed og brugen af ​​ædel- og halvædelsten var på mode.

Det Saxon Kong Otto I besluttede, at han kunne få succes, hvor Charlemagne mislykkedes. Dette virkede heller ikke, men ottonisk kunst med sin tunge byzantinske indflydelse åbnede nyt liv i skulptur, arkitektur og metalværk.

For første gang i historien beskrives kunsten ved et udtryk Andet end navnet på en kultur eller civilisation. Europa blev mere af en sammenhængende enhed, der blev holdt sammen af ​​kristendommen og feudalismen. Opfindelsen af ​​tøndehvelvet gjorde det muligt for kirker at blive katedraler, og skulptur blev en integreret del af arkitekturen. I mellemtiden fortsatte maleriet hovedsageligt i belyste manuskripter.

"Gotisk" blev først myntet for (nedsættende) at beskrive denne tids tids arkitekturstil, som blev tugget længe efter, at skulptur og maleri havde forladt sit selskab. Det gotisk bue lod store, skyhøje katedraler bygges, som derefter blev dekoreret med den nye teknologi af farvet glas. Også i denne periode begynder vi at lære flere individuelle navne på malere og billedhuggere - hvoraf de fleste synes ivrige efter at lægge alt gotisk bag sig. Faktisk, begyndende omkring 1200, alle slags vilde kunstneriske innovationer begyndte at finde sted i Italien.

Dette var Golden Age of Florence. Dens mest magtfulde familie, Medici (bankfolk og velvillige diktatorer), anvendte overdådigt uendelige midler til herlighed og forskønhed af deres republik. Kunstnere strømmet ind for en del af largessen og byggede, skulpturerede, malede og i sidste ende begyndte de aktivt at stille spørgsmålstegn ved "regler" for kunsten. Kunst blev på sin side mærkbar mere individualiseret.

Alle de anerkendte mesterværker fra det faste udtryk "renæssance"blev oprettet i løbet af disse år. Leonardo, Michelangelo, Raphael og selskab lavede sådan overgår mesterværker, faktisk, at næsten enhver kunstner, for evigt efter, ikke engang prøve at male i denne stil. Den gode nyhed var det på grund af disse Renæssancegraderat være kunstner blev nu betragtet som acceptabel.

Her har vi en anden først: an abstrakt betegnelse for en kunstnerisk æra. Renæssancekunstnere fortsatte efter Raphaels død at forfine maleri og skulptur, men de søgte ikke en ny stil for deres egen. I stedet oprettede de i det tekniske måde af deres forgængere.

En renæssance fandt sted andre steder i Europa, men ikke i klart definerede trin som i Italien. Lande og kongeriger var travlt med at jockey for prominens (kampe), og der var det bemærkelsesværdige brud med den katolske kirke. Kunst tog plads bag disse andre begivenheder, og stilarter flyttede fra gotisk til renæssance til barok på en slags ikke-sammenhængende kunstner-for-kunstner-basis.

Humanisme, renæssance og reformation (blandt andre faktorer) arbejdede sammen for at forlade middelalderen for evigt. Kunst blev accepteret af masserne. Kunstnere fra den barokke periode introducerede menneskelige følelser, lidenskab og ny videnskabelig forståelse for deres værker - hvoraf mange opretholdt religiøse temaer, uanset hvilken kirke kunstnerne elskede.

I det, som nogle ville betragte som et dårligt anbefalet træk, tog Rococo barokkunst fra "fest for øjnene" til direkte visuel friskhed. Hvis kunst eller arkitektur kunne forgyldes, pyntes eller på anden måde overtages "toppen", tilføjede Rococo med glød disse elementer. Som en periode var det (barmhjertigt) kort.

Ting var løsnet nok ved denne æra, at to forskellige stilarter kunne konkurrere om det samme marked. Neo-klassisisme var kendetegnet ved trofast undersøgelse (og kopi) af klassikerne, kombineret med brugen af ​​elementer, der blev bragt i lyset af den nye arkæologiske videnskab. Romantikken trodsede på den anden side let karakterisering. Det var mere en holdning—En, der er gjort acceptabel af oplysning og gryning af social bevidsthed. Af de to havde romantikken langt mere indflydelse på kunstforløbet fra denne tid og fremad.

Uagtet de to bevægelser ovenfor, realister dukkede op (først stille, derefter ganske højt) med overbevisningen om, at historie ikke havde nogen betydning, og kunstnere ikke skulle give noget, som de ikke personligt havde oplevet. I et forsøg på at opleve "ting" blev de involveret i sociale årsager og befandt sig ikke overraskende ofte på den forkerte side af autoritet. Realistisk kunst løsrev sig i stigende grad fra form og omfavnede lys og farve.

Hvor realismen rykkede væk fra form, kastede imressionisme form ud af vinduet. Impressionisterne levede op til deres navn (som de selv bestemt ikke havde fundet ud): Kunst var et indtryk, og som sådan kunne gengives fuldstændigt gennem lys og farve. Verden blev først rasende over deres udryddelse og derefter accepteret. Med accept kom slutningen af ​​Impressionismen som en bevægelse. Mission fuldført; kunsten var nu fri til at sprede sig på enhver måde, den valgte.

Det impressionister ændrede alt, når deres kunst blev accepteret. Fra dette tidspunkt havde kunstnere frie tøjler til at eksperimentere. Selv hvis offentligheden afskyede resultaterne, var det stadig kunst og tildelte således en vis respekt. Bevægelser, skoler og stilarter - i svimlende antal - kom, gik, divergerede fra hinanden og undertiden smeltede.

Der er virkelig ingen måde at give alle af disse enheder endda en kort omtale her, så vi vil nu kun dække et par af de bedre kendte navne.

Dette er en praktisk titel på, hvad der ikke var en bevægelse, men en gruppe kunstnere (primært Cézanne, Van Gogh, Seurat og Gauguin), der flyttede forbi Impressionismen og videre til andre, separate bestræbelser. De bevarede lys og farve, som impressionismen bragte, men forsøgte at sætte nogle af de andre elementer af kunst - form og linje, for eksempel - tilbage i kunst.

Fauverne ("vilde dyr") var franske malere ledet af Matisse og Rouault. Bevægelsen, de skabte, med dens vilde farver og skildringer af primitive genstande og mennesker, blev kendt som ekspressionisme og spredte sig især til Tyskland.

I Frankrig opfandt Picasso og Braque kubisme, hvor organiske former blev opdelt i en række geometriske former. Deres opfindelse vil vise sig at være grundlæggende for Bauhaus i de kommende år samt inspirere af den første moderne abstrakte skulptur.

I mellemtiden blev futurisme dannet i Italien. Hvad der begyndte, da en litterær bevægelse flyttede ind i en kunststil, der omfattede maskiner og den industrielle tidsalder.

surrealisme handlede om at afsløre den skjulte betydning af drømme og udtrykke underbevidstheden. Det var ikke tilfældigt, at Freud allerede havde offentliggjort sine banebrydende psykoanalytiske studier inden denne bevægelses opkomst.

Anden verdenskrig (1939–1945) afbrød alle nye kunstbevægelser, men kunsten kom tilbage med hævn i 1945. Dukker op fra en verden revet i stykker, Abstrakt ekspressionisme kasserede alt - inklusive genkendelige former - undtagen selvudtryk og rå følelser.

Som reaktion mod abstrakt ekspressionisme forherligede Pop Art de mest jordiske aspekter af amerikansk kultur og kaldte dem kunst. Det var sjovt dog kunst. Og i det "sker" midt i 60'erne, op (en forkortet betegnelse for optisk illusion) Kunst kom på scenen, lige i tide til at maskere pænt med den psykedeliske musik.

I de senere år har kunsten ændret sig med lynets hastighed. Vi har set fremkomsten af performancekunst, konceptuel kunst, digital kunst og chok kunst for kun at nævne nogle få nye tilbud.

Idéer inden for kunst stopper aldrig med at ændre sig og gå videre. Alligevel, når vi bevæger os hen imod en mere global kultur, vil vores kunst altid minde os om vores kollektive og respektive fortid.