En del af maleriets glæde i det 21. århundrede er den brede vifte af tilgængelige udtryk. I slutningen af det 19. og 20. århundrede oplevede kunstnere store spring i maleri. Mange af disse innovationer blev påvirket af teknologiske fremskridt, såsom opfindelsen af metalmalingsrøret og udviklingen af fotograferingsamt ændringer i sociale konventioner, politik og filosofi sammen med verdensbegivenheder.
Denne liste skitserer syv vigtigste kunststilarter (nogle gange benævnt "skoler" eller "bevægelser"), nogle meget mere realistiske end andre. Selvom du ikke vil være en del af den oprindelige bevægelse - gruppen af kunstnere, der generelt delte det samme maleri og ideer i et bestemt tidspunkt i historien - du kan stadig male i de stilarter, de brugte. Ved at lære om disse stilarter og se, hvad kunstnerne, der arbejder i dem, skabte og derefter selv eksperimentere med forskellige tilgange, kan du begynde at udvikle og pleje din egen stil.
Realisme, hvor maleriets emne ligner den virkelige ting snarere end at blive stiliseret eller abstraheret, er den stil, mange mennesker synes af som "ægte kunst." Først når det undersøges tæt på, afslører det, som ser ud til at være solide farver, sig selv som en række børstestræk i mange farver og værdier.
Realisme har været den dominerende malestil siden renæssance. Kunstneren bruger perspektiv til at skabe en illusion af rum og dybde og indstille kompositionen og belysningen således, at motivet fremstår som ægte. Leonardo da Vinci's "Mona Lisa"er et klassisk eksempel på stilen.
Painterly-stilen optrådte som Industrielle revolution fejede Europa i første halvdel af 1800-tallet. Befriet ved opfindelsen af metalmalingsrøret, som gjorde det muligt for kunstnere at gå uden for studiet, begyndte malere at fokusere på selve maleriet. Motiver blev gengivet realistisk, men malere gjorde ikke noget for at skjule deres tekniske arbejde.
Som navnet antyder, lægger vægten vægt på maleriets handling: penselværkets karakter og selve pigmenterne. Kunstnere, der arbejder i denne stil, prøver ikke at skjule, hvad der blev brugt til at skabe maleriet ved at udjævne tekstur eller mærker, der er tilbage i malingen med en pensel eller andet værktøj, såsom en paletkniv. Malerierne af Henri Matisse er fremragende eksempler på denne stil.
Impressionisme opstod i 1880'erne i Europa, hvor kunstnere som Claude Monet forsøgte at fange lys, ikke gennem detaljen af realisme, men med gestus og illusion. Du behøver ikke komme for tæt på Monets vandliljer eller Vincent Van Goghs solsikker for at se de dristige farveslag, men der er ingen tvivl om, hvad du ser på.
Objekter bevarer deres realistiske udseende, men alligevel har en livlig atmosfære omkring dem, der er unik for denne stil. Det er svært at tro, at de fleste kritikere hadede og latterliggjorde, da impressionisterne først viste deres værker. Hvad der dengang blev betragtet som en uafsluttet og uslebnet maleri, er nu elsket og æret.
ekspressionisme og Fauvisme er lignende stilarter, der begyndte at vises i studios og gallerier i slutningen af det 20. århundrede. Begge er kendetegnet ved deres brug af dristige, urealistiske farver valgt for ikke at skildre livet som det er, men snarere som det føles eller ser ud for kunstneren.
De to stilarter adskiller sig på nogle måder. Ekspressionister, inklusive Edvard Munch, forsøgte at formidle den groteske og rædsel i hverdagen, ofte med hyper-stiliseret penselværk og forfærdelige billeder, som han plejede at have stor effekt i sin maleri "Skriget."
På trods af deres nye farvebrug forsøgte fauvister at skabe kompositioner, der skildrede livet i en idealiseret eller eksotisk karakter. Tænk på Henri Matisses froldende dansere eller George Braques pastorale scener.
Da de første årtier i det 20. århundrede udfoldedes i Europa og Amerika, voksede maleriet mindre realistisk. Abstraktion handler om at male essensen af et emne, når kunstneren fortolker det snarere end de synlige detaljer. En maler kan reducere emnet til dets dominerende farver, former eller mønstre, som Pablo Picasso gjorde med sit berømte vægmaleri af tre musikere. Kunstnerne, alle skarpe linjer og vinkler, ser ikke mindst ægte ud, men alligevel er der ingen tvivl om, hvem de er.
Eller en kunstner fjerner måske emnet fra sin kontekst eller udvider dets størrelse, som Georgia O'Keeffe gjorde i sit arbejde. Hendes blomster og skaller, fjernet af deres fine detaljer og flyder mod abstrakt baggrund, kan ligne drømmende landskaber.
Rent abstrakt arbejde, ligesom meget af den abstrakte ekspressionistiske bevægelse i 1950'erne, afskrækker aktivt realismen og glæder sig over det subjektive omfavnelse. Motivet eller punktet for maleriet er de anvendte farver, teksturer i kunstværket, og materialerne, der bruges til at skabe det.
Jackson Pollocks dryppemalerier kan måske se ud som et gigantisk rod for nogle, men der er ikke noget at benægte at vægmalerier som "Nummer 1 (Lavendelmist)" har en dynamisk, kinetisk kvalitet, der holder din interesse. Andre abstrakte kunstnere, såsom Mark Rothko, forenklede deres emne til farver selv. Farvefeltværker som hans mesterværk fra 1961 "Orange, rød og gul" er netop det: tre blokke med pigment, hvor du kan miste dig selv.
Fotorealisme udviklede sig i slutningen af 1960'erne og 70'erne som reaktion på abstrakt ekspressionisme, der havde domineret kunsten siden 1940'erne. Denne stil virker ofte mere reel end virkeligheden, hvor ingen detaljer udelades og ingen fejl er ubetydelige.
Nogle kunstnere kopierer fotografier ved at projicere dem på et lærred for nøjagtigt at fange præcise detaljer. Andre gør det frihånd eller bruger et gittersystem til at forstørre et tryk eller et foto. En af de mest kendte fotorealistiske malere er Chuck Close, hvis hovedbilleder i vægmaleri af medkunstnere og berømtheder er baseret på snapshots.